Del CENTRO DE DOCUMENTACIÓN DE TÍTERES DE BILBAO a las AGRUPACIONES TEATRALES hispanoamericanas

Estimados amigos:

En el Centro de Documentación de Títeres de Bilbao estamos realizando una publicación sobre los 25 años de labor dramática de las compañías hispanoamericanas en el ámbito de los títeres. Es a causa de esta actividad que les enviamos una ficha con el fin de que podamos contar con los datos de la compañía o de la institución que usted representa debidamente actualizados. Les agradecemos encarecidamente su colaboración y solicitamos este envío de datos por correo electrónico antes del 15 de octubre. El resto de materiales gráficos (video, dvd, fotografías, tríptico, dossier...) ha de ser enviado por correo postal a la dirección que aparece más abajo.

FICHA DE DATOS PARA AGRUPACIONES

Nombre completo del grupo / Compañía / Entidad / Asociación / Festival (especificar el apartado)

Director(a) / Presidente / Persona(s) de contacto (Nombre y Apellidos)

Dirección de Correo Postal del Director(a) / Presidente/ Personas de Contacto.

Dirección de Correo Postal de la Compañía / Grupo / Entidad / Asociación / Festival

Otras personas de contacto, con sus datos

Teléfono fijo completo, con los prefijos / Teléfono Móvil / Fax

Dirección de Correo Electrónico

Página Web

Obras en repertorio con sus fechas de realización

Género ( Festival / Teatro de títeres / Mixto de actoral y muñecos / Teatro para niños / Teatro actoral para adultos / Teatro de calle / Máscaras – Zancudos – Gigantes / Docente- Profesor ) (apuntar más de uno si procede)

Deseando su colaboración en beneficio de todos, se despide cordialmente:

Concha de la Casa
Directora. y equipo.
Correo electrónico: [e-mail]
Centro de Documentación de Títeres de Bilbao – Casa de Cultura de Barrainkua – C/ Barrainkua 5 – 48009 BILBAO – EUSKADI- ESPAÑA

FESTIVAL INTERNACIONAL de MIMOS, Valencia 2005 - Venezuela

Festival Internacional de Mimos Valencia 2005 - Venezuela
Del 13 al 16 de Octubre de 2005
Sub-Sedes: Caracas y Barquisimeto
Fuente: http://www.mimesisteatro.com.ve/Index.htm

GRUPOS INTERNACIONALES

Mimo Tuga. Rodolfo Meneses
Chile
Obra: Inervención Callejera
Este espectáculo se basa en intervenir un espacio público con la presencia de un Mimo, el cual logra hacer de este espacio un escenario, donde el peatón se convierte en espectador.
La idea del espectáculo es jugar con las personas valiéndose de técnicas como: Pantomima, Juego, Sátira y Burla, las cuales bien complementadas logran atrapar al espectador.

Antifaz
México
Obra: Alebrijes
Concepto de plástica escénica, aderezado con la magia y la profundidad del sentimiento que encierra el canto latinoamericano.
Antifaz mimos pretende a través de la plástica del movimiento presentar ante el público, a manera de reflejos, una serie de hechos que quedan como testimonio de la desigualdad en el desarrollo que sufren nuestros pueblos. Problemas como el embarazo a temprana edad, el aborto, y la migración son presentados a través de la confrontación de los valores esenciales del ser (maternidad, amor, salud, tolerancia, integración familiar, etc) con las consecuencias que proporciona el condicionamiento social. Estos reflejos son trasladados al mundo fantástico de los Alebrijes, seres que tienen su origen en la mente de un hombre enfermo en estado febril (que después fueron representados por él mismo como figurillas de papel maché en forma de criaturas extraordinarias, convirtiéndolas en uno de los rasgos artesanales más sobresalientes de la cultura mexicana) quien en sus alucinaciones, les dio vida en un mundo de ensoñación. Así, este mundo se convierte en el vehículo perfecto para la creación de estampas que a través de la expresión corporal, la canción latinoamericana y el uso de marionetas nos refleja de forma dramática.

Teatro Nacional Artístico de Colombia
Colombia
Obra: Mima La Vida
Actualmente el grupo se encuentra conformado por 6 artistas especializados en la danza, el Teatro y la Música. La obra MIMA LA VIDA recrea a 5 mimos modernos que se encuentran en varias situaciones cotidianas, animando con sus travesuras y sus despistes a un público exigente por el bueno teatro mudo. Esta obra se desarrolla en un parque y un paradero de bus.

MIMOCLAN
Cuba
El teatro del MimoClan, es la primera Compañía profesional de mimos, fundada en Cuba. En sus inicios estuvo fuertemente influida por las escuelas europeas, principalmente, por la escuela francesa de Etienne Decroux. Ha transitado por un intenso quehacer artístico, inmerso siempre en la búsqueda y creación de sus propios códigos, que sin pretender borrar la tradición europea, sí tuviera independencia cultural, formal y conceptual, que facilitara la aparición de lo cubano y sus valores más universales, y así poder ser tan auténticos, como quienes nos precedieron.
Bajo la guía del maestro Julio Capote y su singular manera de enfocar el arte del Mimo, el MimoClan se encuentra en constante proceso de renovación técnica y artística, lo que ha permitido el enriquecimiento y perfeccionamiento de sus códigos, signos, jeroglíficos y conceptos que nos colocan por derecho en la vanguardia del lenguaje extra-verbal.

Antonin Novotny
Republica checa
Obra: ¿Para que servirá la cagarruta blanca de los perros?
Sinopsis: Un hombre llega a un espacio desconocido, y con un particular humor silente nos hará reflexionar sobre varios aspectos de la vida.

GRUPOS NACIONALES

Mister Mimo
Puerto La Cruz. Venezuela.
Obra: Más allá de la Palabra
Es un trabajo que incluye variedad de técnicas, teniendo como eje central el mimo. La expresión corporal y el gesto juegan un rol fundamental. El trabajo plantea un versión juglaresca de nuestros tiempos por lo que se pasea por diversas alternativas como: El mimo, el juego, el malabarismo y la magia.

Teatro del Silencio
Maracaibo
Obra: ABSURDO
El oficio de crear sin mayor recurso que el ánimo colectivo, fue lo que dio origen a una idea particular de trabajo y a una forma definida de hacer teatro.
Así nace "Absurdo", el último trabajo de Teatro en silencio que busca recrear, a través de la pantomima, la naturaleza del ser humano, incomprensible, inadapable, pero en su constante búsqueda de comprenderse y adaptarse.

Compañía de Mimos Guillermo Vizcaya
Valencia. Venezuela
Obra: Las aventuras de Chepito
El discurso gestual de este trabajo está arraigado en el plano social, pues se quiere expresar con él los intringulis que padecen nuestros provincianos en la ciudad y cómo tienen que sobrevivir a ella. Esta vez el personaje se mantiene durante la obra, representando para el ejecutante un verdadero reto físico y mental donde las circunstancias determinarán el ritmo del espectáculo. La técnica a usar es la del mimodrama, es decir, pequeñas historias conexas entre sí.

Marcela Marcela La MIMO ROSA
Valencia. Venezuela
Nombre del espectáculo: SIETE REGALOS, SIETE REFLEXIONES.
1.Caja de música, 2.El hombre primitivo, 3.El cocinero glotón. 4.En lo profundo del mar dejé mi vida y mi amor. 5.El torero arrepentido, 6.El vagabundo,7.Travesura de Marcelita. Creación y Dirección de: Marcela Ramírez y Juan Aristigueta

Fundación Cultural Entremimos
Valencia. Venezuela
Obra: Mitómanos
La interminable creencia de los mitos acentúan una larga pausa a la prisa a la vida y al amor, las mentiras de un arte que se transforma en una llegada sin fin, de unos pasos ansiosos y querido, el hueco de unas manos, el goce de morar en los ojos de los niños. La cruda luz del rostro de la danza abre un hueco a la sombra inmensamente sola y silenciosa dispuesta por ENTREMIMOS para ustedes amigos.

Altuequi
Bejuma. Carabobo- Venezuela.
Obra: Pantomimas
ALTUEQUI, este nombre tiene un significado compuesto, ALTU de altura, y EQUI que proviene de la palabra equilibrio, formando el nombre que se aventura en nuestra promoción y difusión. La importancia dada a este nombre por sus integrantes parte de la idea, que reza, "la altura a donde queremos llegar, proviene del equilibrio que podamos lograr".

Tin Marín
Valencia. Venezuela
Obra: LA GUERRA Y LA PAZ.
El reconocido cuentacuentos valenciano, pionero en la tradición de los papagayos, se estrena en un trabajo silente, donde la guerra y la paz se encuentran de forma particular, se enfrentan sin enfrentarse, se golpean sin dejar dolor, es más la reflexión que se debate entre el sueño y la realidad.

Pantomimas U.C.
Valencia. Venezuela.
Obra: Casanova 2000.
EL CASANOVA 2000
Este espectáculo intenta expresar de forma muy farsesca una serie de intentos de encontrar el amor por parte de algunos personajes. Pero, ¿De qué forma?, acaso ¿los feos no tienen sentimientos? ó ¿Los lentos no les late rápido el corazón? Acaso alguien no puede intentar construir su pareja ideal? ó ¿No existe quién tenga un corazón tan grande donde quepan varias personas? ó ¿Sencillamente por ser viejitos tenemos que estar solos? Las respuestas a todas estas preguntas no están escritas...

Kaliyuga 13
Valencia. Venezuela
Obra: MARAT. (Danza Teatro)
Una propuesta de características trágicas que se centra básicamente en la traslación de las ideas entre los personajes; en la transferencia de imágenes y de discursos que se da no solo a través de la palabra, sino a través del cuerpo.
Se incorporan textos de la obra Marat-Sade de Peter Weiss, con lo que se intenta acrecentar la fuerza de la pieza. Los personajes en su delirio de poder, sienten la necesidad de destruir a los que no se identifiquen y se integren a su visión alienada por razones falso-patrióticas, que finalmente termina por desenmascararlos y
destruirlos.

EL JUGLARS
Valencia. Venezuela.
Obra: Circo de Papel
En el espectáculo de Manuel Jaramillo el Juglar, el circo de papel el cual es un viaje por Venezuela y enseña a querer al país,
mostrando sus tradiciones, costumbres, geografía, etc. Esta propuesta se puede señalar dentro de la categoría de teatro para
niños, aunque el desarrollo espontáneo del evento y el juego escénico, atrae la atención de todo el público.

Garabato
Maracay. Venezuela
Obra: Mimo o mima
El taller de artes infantiles Garabato se funda el 17 de enero de 1990. Desde sus inicios este taller de artes ha viajado por los
diferentes géneros como el títere, la narración oral, el cine, en fin, la totalidad en la expresión de las artes escénicas. En esta
ocasión, dan paso al mimo, con un proyecto que inserta la autoestima y el desarrollo integral del niño, entre otras propuestas.

VII Edición del TALLER INTERNACIONAL DE TEATRO DE TÍTERES - Matanzas, Cuba

C O N V O C A T O R I A

Amigos titiriteros:
Esta es una invitación a que nuestras manos y corazones se unan para animar un muñeco en el que vibre la devoción al arte de cada titiritero regado por el mundo. Aquí, en Matanzas, capital del títere cubano, pueden llegar con el Sol por delante y la Luna en las espaldas, con la tierra abierta y el mar anchuroso para plantar su retablo. Pueden sacar de sus mochilas las esencias del títere y llevarlos a los escenarios del teatro o las plazas donde los esperamos.

Bebamos como siempre, en el albor de la primavera, por la salud del arte titiritero, por la fraternidad que debe ser como un himno, y sobre todo, por otro encuentro más en esta tierra que les da la bienvenida.

Comité Organizador

Para mayor información puedes visitar la página web:http://www.cubaescena.cult.cu/tallertiteres/

EL EVENTO
La VII edición del Taller Internacional de Títeres de Matanzas convocado por el Grupo Teatro Papalote desde 1994, constituye a partir de la edición del 2004 un nuevo momento, signado por la labor de los grupos e instituciones matanceras, interesadas en estimular y promocionar cada una de las especialidades del arte titiritero, siempre desde una rigurosa investigación histórica y estética. En esta ocasión con el auspicio de Teatro Papalote, Teatro de Las Estaciones, la Galería El Retablo y el Centro de Documentación e Investigaciones de las Artes Escénicas Israel Moliner Rendón del Consejo Provincial de Artes Escénicas, será dedicado al diseño de escenografía y muñecos. Habrá importantes exposiciones con los diseñadores más representativos de Cuba. Se ofrecerán clases magistrales, charlas y conferencias sobre el tema. Entre los talleres se encuentra el que impartirá el destacado profesor de la Universidad de Massachussets, E.U.A. Miguel Romero acerca del diseño y el Teatro de Sombras, el de Enrique Lanz director del grupo Etcétera, España, sobre plástica y títeres, entre otros talleres de profesores de Europa y Cuba.
Se incluyen también, proyecciones de videos, homenajes, presentaciones de publicaciones y un evento teórico sobre el diseño de muñecos. Se proyecta ofrecer una panorámica de los más importantes grupos titiriteros cubanos y de otros países con puestas para títeres dedicados a cualquier público, adaptables a espacios flexibles y con 50 minutos de duración como promedio.

El taller del 2006 estará dedicado al trío dorado del Guiñol de Santa Clara, que en su trayectoria resumen la labor del director, el manipulador y el diseñador.

Olga Jiménez, Allán Alfonso e Iván Jiménez son a partir de los comienzos en los años sesenta, dignos herederos de ese otro trío imprescindible y fundador: los hermanos Camejo y Carril. Han conformado una agrupación que posee un sello de calidad, no solo en la animación de muñecos, si no en la selección del repertorio, proyección del trabajo en la comunidad y su extensión a nivel nacional e internacional. La humildad del titiritero trashumante en la sonrisa de Allán, la paciente labor de orfebrería de Olga, tanto para diseñar o lograr el dominio de una técnica de animación; la constancia y la fuerza de los muñecos de antaño en el empeño de Iván por mantener el desarrollo de este oficio milenario. Número mágico: el tres. Impar, fuerte si se dispone su posición en forma de triángulo. El VII Taller de Teatro de Títeres de Matanzas se honra en dedicarles su nueva edición y le abre las puertas a sus personajes, Pinocho, al Caballito enano, a Okán Deniyé, al Abuelo Paco y su teatrino en el centro de la Isla, irradiando su luz para siempre.

COLOQUIO
Con el tema "El diseño para títeres en Iberoamérica" sesionará un espacio de reflexión teórica que acogerá trabajos encaminados a indagar sobre las diferentes experiencias y caminos signados por la tradición y la experimentación en esta especialidad tanto en el títere nacional como internacional a cargo de destacadas figuras de la especialidad en Iberoamérica. Los interesados en participar deben enviar un resumen del trabajo a exponer, consignando en cada caso los medios audiovisuales a emplear (en caso de vídeo cassette VHS, deben ser norma NSTC) El tiempo de explotación no deberá exceder los veinte minutos. Y los trabajos serán seleccionados a partir de los intereses de la comisión organizadora del evento.

COMITE ORGANIZADOR DEL VII FESTIVAL DE TITERES
Presidente: René Fernández Santana
Directora Ejecutiva: Mercedes Fernández Pardo
Director Artístico: Rubén Darío Salazar
Eventos especiales: Ulises Rodríguez Febles
Producción: Solangel González
Programación y Comercialización: Efraín Pérez
Transporte y Hospedaje: Cecilia Sodis Carrillo
Coordinadora de Prensa: Ileana Toledo
Acreditación: Marisela Díaz
Asistencia Técnica: Kalec Acosta H
Imagen del Taller: Zenén Calero Medina
Diseño Gráfico: Pedro Luis Díaz Dávila
Página Web: Grupo Digitart

La XII entrega del PREMIO TIN 2004 y otras sorpresas

Por Eddy Díaz Souza

Este miércoles 14 de setiembre de 2005, en el Teatro Luisela Díaz, se entregó oficialmente el reconocimiento del Teatro Infantil Nacional (TIN) a los hacedores del teatro para niños que, dentro de la muestra nacional evaluada (13 puestas del Distrito Capital y 15 propuestas de diferentes estados del país), resultaron merecedores del premio que concede esta organización desde 1992. En esta oportunidad, el jurado calificador estuvo integrado por Laura Montilla, Eliel Brizola, Luis Alberto Rosas, Madeleine Russo y Mimí Sills.

El espectáculo de este año fue resuelto por Yuri Villegas, directora de la agrupación T-knela. Muy interesante el arranque, aunque se diluyó luego en escenas algo largas y poco atractivas a nivel de guión y resolución escénica.

José Manuel Ascensao abrió la noche con un discurso formal, celebró la oportunidad que congregaba a tantos creadores venezolanos y aprovechó el momento para saludar a la Junta Directiva saliente, así como para presentar a las nuevas autoridades: José Manuel Ascensao (Presidente), José Luis León (Vicepresidente), Robert Castro (Tesorero), Dewis Durán, Salomón Adames, Ricardo Salmerón (Directores de área), Jenny Duno y Thais Morillo (Asistentes a la gerencia). También Gerardo Piñero, Director General Sectorial de Teatro del CONAC--a invitación del presidente del TIN--tuvo unas palabras para la audiencia y, en especial, para los colectivos teatrales, a los cuales reconoció su crecimiento, esfuerzo, dedicación y profesionalismo.

De gran interés para los presentes resultó la entrega del merecido Premio Especial a Carmelo Castro, por sus indudables aportes al desarrollo del teatro para la infancia en Venezuela. El texto impreso en la placa, hizo constar que se le entregaba tal reconocimiento "Por soñar y hacer soñar día a día, por su constancia, perseverancia y presencia a lo largo de treinta años contínuos en las tablas venezolanas, adornando a su alrededor de innumerables líneas, protagonizando la escena con su imaginación, por su capacidad de afrontar cada reto, por su talento y su afán de mejorar cada texto escrito, por su activa participación como escritor, productor, actor, director y maestro en la escena teatral infantil, por su eterna lucha en el quehacer artístico infantil, por su elocuencia y estabilidad en la permanencia en el tiempo para futuras generaciones... y por todos aquellos aspectos motivadores de creación que alimentan nuestro ingenio y colaboran a seguir soñando al servicio de los seres más maravillosos de este mundo... los niños... por estas razones el Teatro Infantil Nacional lo premia... Gracias..."

Concluida la entrega de premios, Ascensao mostró el nuevo número de TINtero: el teatro infantil en su tinta, que si bien circuló antes en forma de periódico es hoy una revista. Aconsejamos a las autoridades del TIN la gestión del ISSN y Depósito Legal correspondientes, así como la entrega de los ejemplares que demanda el Instituto Autónomo Biblioteca Nacional, a fin de que esta información sea preservada y se encuentre disponible para su consulta. Sin más observaciones que hacer, nos unimos a la celebración del gremio que encontrará en esta nueva publicación un medio idóneo para expresarse, reconocerse, instruirse, promocionarse y suponemos que mucho más. Pero una de las grandes sorpresas de la noche, aparte de las ya enumeradas, fue la convocatoria pública al Primer Concurso de Dramaturgia Infantil creado por esta organización, que lleva el nombre de una de nuestras mujeres más queridas del teatro venezolano, Gladys Pacheco. La sola mención de su nombre, arrancó ovaciones prolongadas del auditorio.

Y entre el principio y el final de este evento, celebrado en el Caracas Theater Club, nos encontramos con espectáculos evaluados, puestas y creadores nominados, Premios y una lluvia de menciones.

OBRAS EVALUADAS

Obra: Alegría y Mapulín
Grupo: Punto de partida (Barinas)

Obra: Kai-Kashi
Grupo: Acción creativa (Zulia)

Obra: La Cenicienta y el príncipe Cabezotas
Grupo: T-Knela (Carabobo)

Obra: Sobran las palabras
Grupo: TNJV Valera (Valera)

Obra: Aborígenes
Grupo: Bajo el sol colectivo teatral (Zulia)

Obra: ¡Ay, Juan José!
Grupo: Teatrilandia (Carabobo)

Obra: Cirilinda
Grupo: Cía. Regional de Teatro de Portuguesa (Portuguesa)

Obra: Las aventuras de Cifón y Súper Kalikán
Grupo: Titilar (Zulia)

Obra: Cuentos de camino adentro
Grupo: Cuentaperegrino (Vargas)

Obra: Requetecuentos, cuentos de aquí y de allá
Grupo: Teatro Universitario URBE (Zulia)

Obra: El circo más invisible del mundo
Grupo: Taller Experimental de Teatro (Capital)

Obra: Tierra de aventuras. La caja mágica II
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

Obra: Reverón
Grupo: Manatí (Capital)

Obra: Código Verne, un canto a la imaginación
Grupo: ActiAlternas (capital)

Obra: Maluco y Pésima contra la LOPNA
Grupo: Talento joven (Capital)

Obra: Pluft, el fantasmita
Grupo: Compañía Nacional de Teatro (Capital)

Obra: Mimos y cuentos para sonreír
Grupo: Teatro del Silencio (Miranda)

Obra: El príncipe minúsculo
Grupo: Monigotes (Capital)

Obra: El Popol Vuh
Grupo: Xiomara Moreno Producciones (Capital)

Obra: Gatos, simplemente gatos
Grupo: Ensamble teatral (Capital)

Obra: Bebezotes
Grupo: Circuíto de Arte Cénica / Teatro Contrajuego (Capital)

Obra. Trapiche y cueros
Grupo: Bagazos (Miranda)

Obra: La princesa y el dragón
Grupo: Art-O de Caracas (Capital)

Obra: ¿Con mi mediecito qué haré?
Grupo: Dharma teatro (Carabobo)

Obra: El buen rey, el dictador y los pájaros
Grupo: Dramateatro (Aragua)

Obra: El mensajero olvidadizo
Grupo: Puerto teatro (Anzoátegui)

Obra: Amor por descifrar
Grupo: Entretelones (Capital)

Obra: Divirtiéndonos en la oscuridad mágica
Grupo: Teatro de Arte Infantil y Juvenil (TAIJ) (Capital)

NOMINADOS Y PREMIADOS

VESTUARIO
YUDITH COLINA
Grupo: Monigotes

ALTAGRACIA MARTÍNEZ
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

JOSÉ MOLERO
Grupo: Titilar

BRENDA ÁLVAREZ
Grupo: Cuentaperegrino

CARLOS RUTTIA
Grupo: Ensamble teatral

PREMIO MEJOR VESTUARIO
RAQUEL RÍOS
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

MUÑEQUERÍA
ALFONSO RIVAS, YUDITH COLINA Y MARÍA ELENA
Grupo: Monigotes

TEATRO NAKU
Grupo: Tilingo

PREMIO MEJOR MUÑEQUERÍA
ANGELO MORALES Y RICARDO LUGO
Grupo: Bajo el sol

ILUMINACIÓN
VICTOR VILLAVICENCIO
Grupo: Acción creativa

WILFREDO TORTOZA
Grupo: Manatí

PREMIO MEJOR ILUMINACIÓN
DAVID BLANCO
Grupo. Cía. Teatro Nacional / ActiAlternas

COREOGRAFÍA
TATIANA GÓMEZ
Grupo: Punto de partida

ADRIANA CALZADILLA
Grupo: Ensamble teatral

PREMIO MEJOR COREOGRAFÍA
VITTORIO MARSON
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

MUSICALIZACIÓN
CLAUDIO AMICO Y EMILIANO MONTES
Grupo: Art-O de Caracas

CÉSAR MUÑOZ
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

MEJOR MUSICALIZACIÓN
JOSÉ MOLERO
Grupo: Bajo el sol

MÚSICA ORIGINAL
HILDA CARMONA
Grupo: Monigotes

ALEXIS ROSSELL
Grupo: Ensamble teatral

PREMIO MEJOR MÚSICA ORIGINAL
DANIEL CASTRO
Grupo: Acción creativa

AMBIENTACIÓN ESCÉNICA
ANTONIO BETHENCOURT
Grupo: Cía Nacional de Teatro

VALENTINA HERTZ
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

PREMIO MEJOR AMBIENTACIÓN
BELKIS PERDOMO
Grupo: Manatí

DRAMATURGIA
ROBERTO FUENTES, ARNOLDO MAAL Y MARISOL MARTÍNEZ
Grupo: Art-O de Caracas

WILLIAM QUIROZ
Grupo: Teatro Universitario Urbe

JOSÉ LUIS LEÓN
Grupo: ActiAlternas

GILBERTO AGÜERO
Grupo: Talento joven

PREMIO MEJOR DRAMATURGIA
TOTI VOLMER
Grupo: Bagazos

EXPRESIÓN CORPORAL
LILIANA ARROYAVE
Grupo: Ensamble teatral

MARTA CALDERÓN
Grupo: Acción creativa

NOVA ROWINSKY
Grupo: Teatro del Silencio

PREMIO MEJOR EXPRESIÓN CORPORAL
MARIANA TAMARIS
Grupo: Teatro del Silencio

ACTOR CARACTERÍSTICO
LUIS ANDRÉS GÓMEZ
Grupo: Tilingo

JUAN MARTÍNEZ
Grupo: T-Knela

PREMIO MEJOR ACTOR CARACTERÍSTICO
WALTER SERRANO
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

ACTRIZ CARACTERÍSTICA
LEYLA VARGAS
Grupo: Cía. Nacional de Teatro

FRANCISNEY FERNÁNDEZ
Grupo: Teatrilandia

PREMIO MEJOR ACTRIZ CARACTERÍSTICA
INGRID MUÑOZ
Grupo: Bagazos

MEJOR ACTOR
NELSON LEHMAN
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

ARAMANDO LOZADA
Grupo: Talento joven

JOSÉ LUIS LUGO
Grupo: Manatí

PREMIO MEJOR ACTOR
CRUZ NOGUERA
Grupo: Cuentaperegrino

MEJOR ACTRIZ
DENISE FORMOSO
Grupo: ActiAlternas

KAREN RUIZ
Grupo: Talento joven

MARIACA SEMPRUM
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

PREMIO MEJOR ACTRIZ
EDILSA MONTILLA
Grupo: Punto de partida y Cía. Regional de Portuguesa

PRODUCCIÓN
SOMAR TORO
Grupo: Cuentaperegrino

GABRIELA MARTÍNEZ
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

HERMMANKIS PARRA
Grupo: Acción creativa

SERGIO VILLAMIZAR
Grupo: Ensamble teatral

PREMIO MEJOR PRODUCCIÓN
XIOMARA MORENO
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

DIRECCIÓN
JAVIER MORENO
Grupo: Xiomara Moreno Producciones

CÉSAR SIERRA
Grupo: Cía. Lily Álvarez Sierra

ANIBAL GRUNN
Grupo: Punto de partida

DORIS CHÁVEZ Y JOSÉ ANTONIO GARCÍA
Grupo: Acción creativa

PREMIO DE DIRECCIÓN
CRUZ NOGUERA
Grupo: Cuentaperegrino

Las menciones especiales fueron otorgadas a:

- CARLOS RUTIA, por su maquillaje para Ensamble teatral
- JOSÉ MANUEL ASCENSAO y su agrupación Colibrí
- DAVID MORALES, por su diseño de tocados
- GERARDO BLANCO, por su investigación musical
- Al colectivo ACCIÓN CREATIVA por los recursos multimedia empleados en su puesta en escena
- A VÍCTOR HUGO GOMES por su participación actoral en Colibrí
- ÁNGELO MORALES, por su diseño y elaboración de máscaras para la compañía zuliana Bajo el sol
- ROSARIO OROPEZA y ROY MENDOZA, actores infantiles de la agrupación Ensamble teatral y, al también actor infantil
- PABLO RUIZ, del grupo Colibrí

XXII INTERNATIONAL FESTIVAL OF PUPPETRY ART, Bielsko-Biala, Poland Art

Se realizará entre el 20 y 24 Mayo 2006

El Festival cubrirá hotel y comidas y negociará individualmente con cada grupo.

Se deberá enviar una carpeta y un video con el espectáculo, antes del 31 de Octubre de 2005.

Más informaciones: http://www.banialuka.pl

Teatr Lalek Banialuka
The XXIInd International Festival of Puppetry Art
ul.Mickiewicza 20
43-300 Bielsko-Biala
Poland
tel/fax [phone](47) ;8123394
Correo-e: [e-mail]

V FESTIVAL INTERNACIONAL DE TITERES BENGALA 2006. Anzoátegui, Venezuela

QUINTA Edición... CINCO años de Festival Bengala... Y ahora, FESTIVAL BENGALA presente en CINCO estados del oriente venezolano.

AMIGOS DEL TEATRO PARA NIÑOS Y TITIRITEROS:
Nuestra agrupación, Teatro Bengala, desde la ciudad de Anaco, en el estado Anzoátegui, Venezuela, invita a todas las agrupaciones nacionales e internacionales interesadas en postular al V FESTIVAL INTERNACIONAL DE TITERES BENGALA, que se realizará del 23 de junio al 02 de julio de 2006, favor enviar los siguientes recaudos:

a. Dossier de la agrupación
b. Dossier del espectáculo
c. 4 Fotografias a colores del espectáculo (en JPG)
d. Video del espectáculo o, en su defecto, recomendación por escrito de algún grupo de Titeres que haga vida cultural en Venezuela (esto en caso de postulación por primera vez)
e. Necesidades técnicas (sin excepción)

Nuestro Festival ofrece:

-Hospedaje en hotel.
-Comidas.
-Traslados internos.
-Bono económico por 7 funciones. (Se dará a conocer en su momento, pues depende del monto aprobado por los patrocinantes).
-Posibilidades de extender la gira una semana más (dependerá de las posibilidades de cada grupo y los nuevos convenios).
-Visita a cinco (5) estados del oriente del país, entre ellos: Anzoátegui (sede principal), Bolívar, Monagas, Sucre, Nueva Esparta.
-Dirección: Centro Cultural Bengala, 1era calle, Sector Alí Primera, Anaco-estado Anzoátegui, Venezuela.

Atención: Denzil Wladimir Romero
Director Ejecutivo y Finanzas.

Telefonos:
0058282 - 5110288
0058416 - 7827562
0058414 - 3899215

La recepción de documentos es desde el momento de publicación de esta convocatoria (14 de septiembre de 2005), hasta el 30 de enero de 2006.

Nuestros patrocinantes para el año 2006:
Ministerio de la Cultura
Consejo Nacional de la Cultura CONAC
Direccion de Cultura del estado Anzoátegui, entre otros.

POR TEATRO BENGALA
Denzíl Wladimir Romero C.
Director Ejecutivo y Finanzas.
Correos-e: [e-mail] / [e-mail]

TEATRO DEL VIENTO REGRESA AL CAMINO

Por Norge Espinosa Mendoza

Poco antes de radicarse en Venezuela, a principios de 1991, ya Eddy Díaz Souza contaba con un aval creciente que lo ubicaba sin discusión entre los mejores autores de la literatura para niños y jóvenes cubana. Su libro de fábulas Cuentos de brujas, Premio La Edad de Oro, 1989, se añadía a una lista donde también figuraban lauros en las ediciones nacionales de los Encuentros de Talleres Literarios, en las que su talento lo hizo destacarse como narrador y dramaturgo. Nacido en Jaruco, el joven habanero era además un ferviente apasionado del teatro, y puede localizársele en las fotos de la Trilogía de Teatro Norteamericano que Carlos Díaz dirigiera en 1990, en la cual también se desempeñó como asistente de dirección. Al salir de la Isla, dejaba tras de sí una serie de textos inéditos que esperan aún por aparecer aquí como letra impresa, incluido Cuentos de brujas, del cual solo dio un adelanto magnífico una edición especial de El Caimán Barbudo (1989) y unas viñetas que se publicaran en Unión (1989), revista de la UNEAC.

Mario Guerrero, en el Festival de Teatro para Niños de 1990, había escandalizado a algunos estrenando un texto de Souza, en el cual, por vez primera, ante un auditorio de corta edad, se producía un desnudo. Ahora, también desde Camagüey, una tierra que parece especialmente propicia a sus obras, Teatro del Viento estrena otra pieza suya. Del suceso, y de cómo con este estreno el grupo que dirige Freddys Núñez Estenoz parece enrumbarse a un nuevo camino en su apretada trayectoria, tratan estas líneas.

De por qué la oruga se fue a la guerra (1986) es el título de Eddy Díaz Souza que ahora adapta el joven colectivo. Su director ha confesado que este era un proyecto al cual volvía una y otra vez, hasta conseguir estrenarlo ahora, con lo cual la idea ha madurado, transformándose definitivamente en Historia sobre el camino. Afortunadamente, esta vez el término “versión” no significa que se hayan adulterado los presupuestos del original, sino que el director ha respetado el tono, la atmósfera de esencial carga lírica que emana del texto base, para reproducirla en otras escalas que, a manera de espejo, devuelve una imagen sobre la otra. Historia... es un capítulo de la saga que Souza escribió acerca de la Oruga, personaje que se enfrenta a distintos avatares en busca de sus propias experiencias acerca del amor, la soledad, la felicidad, etc. Texto de lograda síntesis, deudor a cabalidad de un Federico García Lorca que firmaba El maleficio de la mariposa pero también en Canciones o Poema del cante jondo, la obra parte de lo poético como médula, y se narra a través de argumentos líricos, lo que viene a ser una regla sin cuya comprensión el espectador no podrá disfrutar el espectáculo. La palabra, concentrada en su valor significante, informa estrictamente lo necesario, y el proceso de selección y cuidado con el cual el autor las elige y maneja, libra al texto de una seudopoesía teatral, que es lo más común en la mayor parte de las piezas que, de manera deliberada, se “proponen” justamente hacer poesía en los escenarios. La experiencia o la intuición que el ejercicio teatral animaron en el escritor, lo convierten en un dramaturgo que sabe sopesar los silencios, el hallazgo exactamente poético que logra alzarse allí donde la palabra se convierte en pura sugerencia y no larga tirada explicativa. Ello permite a Estenoz reconsiderar la fábula y añadir a ella versos no lejanos a su espíritu: desde Pablo Neruda a Mirtha Aguirre, que a manera de intertextos matizan las escenas en que dialogan la Oruga, la Lagarta y el Sapo, bajo las noticias de una guerra en la que tal vez, y solo tal vez, haya muerto el Esposo Amado. Para saber esto con certeza, agitada por un amor que no puede seguir siendo espera, la Oruga se adentra en el camino, y como tantos otros seres fantásticos de la literatura, el teatro, el cine, conoce a personajes insólitos. La obra es, pues, un camino: un escenario móvil en el cual apariciones y fantasmas rondan a la protagonista con sus distintas versiones de ese hecho fatal que será siempre la guerra.

Para llevar a la escena una pieza sostenida casi únicamente por el encanto de su palabra, en la cual la acción se repite en una angustia que debe crecer hasta un punto que sólo debe resolver la propia poesía, Freddys Núñez Estenoz se propone una vuelta de tuerca en su camino como director. Pareciera que, a la manera de su protagonista, no puede o quiere más acostumbrarse a aquello que antes le fuera cómodo, y decide arriesgarse en una nueva fórmula de conocimiento. Si en sus montajes anteriores, los de un director que se construía a sí mismo a partir de referencias dispersas y no mediante un aprendizaje de laboratorio, la estela de esos otros artistas que lo influenciaban llegaba a ser a veces demasiado obvia; y un sentido del color y el movimiento ofrecían una gama siempre elevada en la que se echaba de menos una mesura, un autocontrol expresivo. Historia sobre el camino se ofrece como un trabajo de transición en el cual el lenguaje lírico se hilvana a un trazado coreográfico de cuidadas pretensiones, y el trabajo descansa principalmente en el desempeño actoral: un ejercicio de exigencias nada discretas cuando se trata de animar en las tablas una palabra que quiere ser y reconocerse como arma lírica.

Los actores aparecen, desde el principio, vestidos con idéntico vestuario: una suerte de uniforme sobre el cual se colocarán los atuendos de la caracterización que les permiten ir de uno a otro personaje. El gesto delineado desde una complicidad con la danza que, cuidado, no hay que confundir exactamente con el baile, sino en ese delicado equilibrio que quiere manifestar con delicadeza la calidad de lo que se dice, se alza como una convención sólida desde el principio. El tiempo de la representación es el tiempo de un poema, y varias escenas, entre ellas la del juego de ajedrez que enfrenta a la Oruga y la Lagarta, y en el cual el Sapo que pretende a la protagonista aparece y desaparece confabulándose como un tercero y casi invisible personaje, alientan una lectura que sólo puede alzarse con éxito desde esa clase de propuestas, en la cual se elude la mera ilustración para dejar que el director entreteja otras posibilidades sobre lo ya escrito. Las luces procuran, en su mayoría, una limpieza que es también la del manejo de los objetos (módulos, maleta, tablero, etc), en la que cada elemento debe tomar un lugar preciso a fin de no afectar la fluidez de la trama. En ese rejuego los actores (Niurka Caballero, Anaisys Rodríguez, Josvanys González, Sander Nápoles y Vladimir del Risco) deben ganar un control minucioso, una sincronización que irá creciendo con las funciones, así como la posibilidad de ir “habitando” con organicidad progresiva los espacios que la partitura física de este poema dramatizado les impone. Siendo muy jóvenes todos ellos, algunos debutantes, es cosa palmaria la lucha interna que aún los hace debatirse con el hecho de darle presencia escénica a la naturaleza lírica de lo que interpretan, a fin de no dejarse llevar fácilmente hacia la mera declamación, atrapados por la seducción de las palabras. Es una historia difícil de representar, que no escoge fórmulas dramáticas trilladas, y que por lo mismo, se convierte en un reto de numerosas aristas. Que la asuman desde un interés que es el de una renovación en el lenguaje del grupo, avanzando hacia una ganancia de madurez, es cosa que, más allá de cualquier imperfección, me permite aquí ofrecerles una nota de estímulo, por la evidente entrega con la que se adentran en los rigores del montaje y la fe de superación que los conduce en las representaciones. Creo aún reconsiderable ciertas zonas de la banda sonora, los tempos de algunas secuencias, así como espero que las futuras temporadas, en efecto, doten de una veracidad no solo poética a los instantes climáticos de la fábula.

Historia sobre el camino es, junto a otras piezas más o menos recientes, una de esas raras excepciones de la dramaturgia cubana contemporánea dedicada a un público más que infantil, compuesto por adolescentes y jóvenes, para la cual valdría rescatar otras creaciones de Eddy Díaz Souza. Escrita con un sentido de la palabra teatral que rebasa los planteamientos epidérmicos e invita a disfrutar otras calidades de belleza, ha encontrado ahora un director que la elige como campo de pruebas, como posible as de futuridad en su compañía, a la que empieza a dotar de otras texturas, de otras realidades que reconfiguran su repertorio pasado y ojalá ayuden a la conformación de su futuro. Es, como espectáculo, imperfecto y hermoso, lírico y a la vez teatral, un juego de palabra y movimiento casi danzado: un acto de crecimiento e interrogación. Un acto de transición, es lo que digo. Deja ante el espectador preguntas abiertas sobre los próximos pasos de Teatro del Viento, que ya con una sede propia, parece comprender que va quedando atrás el momento de los aprendizajes más primarios. Que su acto por llegar en próximos estrenos sea el de una poética que vaya madurando y clarificándose, es lo que desearía creer ahora, cuando saludo el modo en que este grupo regresa al camino, preguntándose, tal vez, como su personaje, hacia dónde puede estar esa verdad que, bella o terrible, nos resulta estrictamente imprescindible. Que no le falte suerte, pues, en esa odisea que puede ser siempre el teatro.

Bibliografía
DÍAZ SOUZA, Eddy. “De por qué la Oruga se fue a la guerra”, en Talleres Literarios 1986. La Habana : Editorial Letras Cubanas, 1987, pp. 207-216.
DÍAZ SOUZA, Eddy. “Cuentos de brujas”, en El caimán Barbudo, edición especial, julio 1989, pp. 24-25.
DÍAZ SOUZA, Eddy. “Cuentos de brujas”, en Unión, revista de la Unión de escritores y artistas de Cuba, Año II (Nueva Serie), N° 8, octubre / noviembre / diciembre. 1989, p. 85.

XII Edición del PREMIO TIN 2004

Homenaje a CARMELO CASTRO
Premio Especial TIN 2004
"Aportes al desarrollo del Teatro para la infancia en Venezuela"

Saludos apreciados compañeros del Teatro infantil... la presente tiene como fin invitarles a la ceremonia de entrega de los Premio TIN 2004 (XII Edición), a realizarse en el Teatro Luisela Díaz en el Caracas Theater Club, ubicado en Las Mercedes, vía Urológico San Román. El acto tendrá lugar el día miércoles 14 de septiembre, a las 8:00 pm. En el Centro Comercial Paseo Las Mercedes se encontrará, a partir de las 6:30 p.m., un transporte que los trasladará directamente al Teatro. Así que los esperamos. No tienen excusa.

José Manuel Ascensao
Presidente TIN

GRANDES INQUIETUDES PARA PEQUEÑAS SOLUCIONES

Por: Anabella Rodríguez

Cuando se habla de teatro o literatura infantil enseguida se piensa en un receptor o público infantil. Sin embargo esta imagen del niño no es una proyección abstracta e ideal de lo que se considera “niñez” para el dramaturgo de obras infantiles, sino una creación para receptores concretos y determinados por una comunidad. El niño como individuo que comienza su desarrollo en la sociedad se encuentra inmerso en una tradición, en un contexto y en un momento histórico que crean un imaginario. Por ello, el teatro o la literatura infantil son manifestaciones artísticas que envuelven, en una aparente sencillez, la complejidad de un arte para quienes “descubren el mundo que les rodea” y de allí la importancia del juego escritor-receptor, donde la comprensión de este último marca la calidad artística del objeto estético infantil. Tal como afirma Ítalo Tedesco en “Consideraciones teóricas en torno a la Literatura Infantil”, el receptor infantil es un sujeto variable que depende de su comunidad y de su edad:

Si se piensa en que literatura infantil es la destinada a los niños en rol de lectores (en nuestro caso de público) hay que aceptar el término, de manera convencional. Pero lo “niño” o lo “infantil” es un concepto variable en la organización social y en el ordenamiento de los estratos socioculturales (Tedesco 1998,187).

Por esto, el “niño actual” debe enfrentar una serie de “situaciones nuevas” que son inherentes a la época, tales como la contaminación y la violencia (por ejemplo). Sin embargo, además de “descubrir” este mundo complejo y globalizado, el niño posee ciertos rasgos recurrentes que son invariables (salvo ciertas excepciones) en su desarrollo psicológico. Alga Marina Elizagaray (autora cubana que ha desarrollado una interesante propuesta latinoamericana sobre lo infantil) plantea en su obra En torno a la literatura infantil, que el niño posee distintas edades, las cuales se clasifican en: rítmica (que incluye juegos, además, con colores y que, según la autora, va de los tres a los seis años aproximadamente, sin embargo, para otros psicólogos, antes pueden ser motivados desde su nacimiento también con sonidos y colores), imaginativa (de los 6 en adelante), heroica (entre los 8 y los 12 cuando “juegan a ser héroes”) y romántica (aparece simultánea a los doce y, por supuesto, se enfoca más hacia las niñas por motivos sociales). Estas divisiones, que surgen por estudios psicológicos y pedagógicos de los niños para el “ámbito adulto”, muestran la complejidad que tiene una obra infantil para un receptor adulto, si pretende analizar y descubrir la riqueza del contenido existente bajo “la capa de la sencillez”. Por ello, un estudio de lo infantil exige un enfoque multidisciplinario:

La creación de ésta pasa necesariamente por el trabajo interdisciplinario. Es casi un esfuerzo de creación colectiva en el que debe escucharse a los autores, a los padres, a los niños, a los psicólogos, a los maestros y a los científicos sociales. No basta con las clasificaciones tradicionales en torno a varias infancias. Debe investigarse en torno a variaciones diatópicas y diastrátisca. Y los cambios diacrónicos. (Ibid, 192).

Las obras infantiles actuales poseen temáticas que nos exigen centrarnos en el mundo de hoy para descubrir inquietudes y problemas, a los cuales los niños deben enfrentarse desde pequeños. Este es el caso de las obras de títeres que elaboran el grupo argentino-colombiano Colectivo Teatro 4 Elementos que surge en Bogotá en el año 2000 con Alfredo Muzaber (como director), Juan Pablo Poveda, Eduardo Tapia, Leticia Gili, Daniel Encinas, Verónica Gelmán, Natalia Caballero y varios directores titiriteros, además de colaboradores como Daniel Díaz, Marcos Andrés Pérez, Oscar Navarro y Malu Jiménez. La Compañía Profesional de Títeres y Objeto (residente en España actualmente) dirigida a niños y adultos posee dos obras, entre sus diversos proyectos, que llaman nuestra atención por su contenido y propuesta social.

La primera obra es la versión libre que hacen de El Generalito, del autor chileno Jorge Díaz. El grupo 4 Elementos aborda desde los títeres un mensaje de “libertad consciente” para los niños (y también a los adultos). Lo interesante, desde la perspectiva de la Psicología del Aprendizaje, es que construye la definición de represión y libertad a través de los colores, los cuales le permiten dirigirse a un público infantil de temprana edad por jugar con los colores (gris-blanco), recordando la propuesta psico-pedagoga de la edad rítmica. En la historia los más pequeños (y también en cierta forma los adultos) elaboran un proceso de aprendizaje por asociación, donde las definiciones se crean por opuestos y por ciertos rasgos característicos (los colores y los tamaños). De esta forma, surgen los conceptos de libertad y represión: “¿qué se entiende al decir que un concepto es un conjunto de rasgos conectados por medio de alguna regla? Esto quiere decir que cualquier concepto bien definido que se nos ocurra se podrá definir mediante la relación de ciertos rasgos” (Hulse, Egeth y Desse 1980, 283).

El concepto de libertad y represión en la obra El Generalito se desarrolla de manera clara y precisa a través de los colores y tamaños. El General (represión) es un gigante que obliga a todos a su voluntad y los hace pintar sus casas del color gris. El niño (libertad) es un pequeño que decide pintar su casa de blanco y rompe la regla de la represión. Evidentemente, esta historia nos recuerda una temática recurrente de la literatura universal con David y Goliat, en donde el joven David se hace líder al derrumbar al gigante Goliat con su “pequeña fuerza”.

El Generalito muestra un mensaje complejo e importante que se podría considerar “no importante o muy difícil para un niño”, sin embargo la represión o el abuso de poder no es sólo un problema de Estado. La represión se genera desde las más pequeñas relaciones diarias (en su casa con los hermanos, en el colegio con sus compañeros, en la calle con los extraños, etc.) y el niño asocia la libertad de “ser” a su contexto. El discurso reflexivo de la obra nos parece interesante. No se trata que el niño “saldrá discutiendo de política” al finalizar, sino que se le inculca desde pequeño la importancia de “ser diferente”, sin atropellar a los demás. Sin duda, esta es una gran temática que lo más pequeños comenzarán a vivir desde el hogar y el colegio en un mundo más globalizado cada día, en donde es difícil no confundir “libertad individual” con “el individualismo negativo”, propuesto por el consumismo del mercado.

Otra propuesta interesante de este grupo argentino-colombiano son sus títeres ecológicos que muestran cómo la planificación para luchar contra la contaminación comienza desde los “más pequeños también”. Hoy en día se desarrollan campañas para limpiar playas, montañas y ciudades en general por enorme cúmulo de objetos que no usamos y que son difíciles para su degradación cuando lo echamos al medio ambiente. Los integrantes de 4 Elementos, cuando observaron esta realidad de la contaminación marina en Capuragana (una hermosa playa cerca de Panamá), decidieron elaborar esta interesante propuesta que muestra cómo el hombre puede hacer útil los desechos. Así comenzaron la labor de recolección de basura en las playas con los niños (algo que nos recuerda el Día Internacional de las Playas que se celebra el tercer fin de semana de cada Septiembre, promovido por asociaciones internacionales como la Fundación Proyecto AWARE que organiza la campaña de limpieza de playas "International Cleanup Day" y en Venezuela por la asociación FUDENA, entre otras). El grupo clasifica los materiales con conciencia ecológica, tal como lo afirma Alfredo Muzaber:

…nuestra tarea empezó en las costas del mar, donde recogíamos la basura y la clasificábamos para poder transformarla. Con los desperdicios plásticos como botellas, vasos, decidimos fabricar títeres de allí el nombre del taller, TÍTERES ECOLÓGICOS, nuestro objetivo como artista no consistía en que los niños aprendieran a manipular muñecos y tuvieran precisión en sus movimientos y voces, solo queríamos despertar una conciencia ecológica y enseñar a cuidar el lugar donde uno vive (2005)

Luego de esta catalogación proceden a dictar talleres para hacer títeres con los desechos. Esta interesante e importante labor fue acogida muy bien por el público y posee tres años:

Obviamente la cantidad de basura superó nuestras expectativas y no pudimos reciclar todo el material, pero nuestra primer experiencia con los talleres de títeres ecológicos fue tan gratificante, que hemos venido trabajando con ellos por 3 años, presentando la propuesta en ciudades capitales como Santiago de Chile, en pueblitos como San Agustín Colombia, en Quito, Ecuador. (Ibid).

La actividad pudiera ser impulsada por otras regiones, como propuesta artística y educativa, si consideramos que la tarea de la limpieza de los mares ha sido promovida a nivel internacional en un día del año y en distintas localidades en fechas especiales. Con esta labor, se benefician los individuos que visitan las playas y los habitantes naturales del mar: los peces, tortugas, algas, aves marinas y demás especies microscópicas, que muchas veces mueren con la contaminación eliminando la riqueza mineral del agua y haciendo del mar un “foco de infección” para los humanos y los animales.

De acuerdo con la organización ecologista Greenpeace, en un informe presentado el 4 de agosto de este año, existe deterioro progresivo del medio marino como consecuencia del vertido al mar de 6,4 millones de toneladas de basura cada año. El 70% de los residuos acaban en los fondos marinos, y sólo un 15% termina en las playas. El Programa de Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) calcula que 13.000 piezas de plástico contaminan cada kilómetro cuadrado de mar. Los impactos más graves de las basuras flotantes sobre la fauna marina constituyen los derivados del estrangulamiento y la ingestión. Así, el informe apunta que el 98% de los fulmares del Mar del Norte tiene restos de plástico en el estómago. Por todo esto, la propuesta teatral y ecológica del grupo 4 Elementos es digna de resaltar en estos días próximos a la limpieza de las playas, ayudando a eliminar y transformar útilmente los residuos de las costas que ingieren, muchas veces, las aves (algo que no es sólo preocupación de un día para las organizaciones ecológicas).

Existe, pues, en el teatro infantil obras y grupos con una temática compleja que abordan los grandes problemas actuales y delegan a los niños la posibilidad de aprender, observar, divertirse y buscar soluciones desde pequeños.

Si desea conocer más de las obras del grupo Colectivo Teatro 4 Elementos puede escribir a: [e-mail]

Bibliografía
Elizagaray, Alga Marina (1975). En torno a la literatura infantil. La Habana: Unión de Escritores y Artista de Cuba (UNEAC).
Hulse, Stewart; Howard, Egeth y James Deese (1980). Psicología del aprendizaje. México D.F. : McGraw-Hill.
Muzaber, Alfredo (2005). Información y Proyectos. Obtenido en: Lista Grupo Teatrínviajero, coordinador Eddy Díaz Souza.
Tedesco, Ítalo (1998). Modernismo, americanismo y Literatura infantil. Caracas: Universidad Católica Andrés Bello.

PANELÍN , VENEZUELA

Ada González y José Luis Romero comenzaron su labor artística titiritera en 1991, creando la agrupación que lleva por nombre Teatro de Títeres Panelín.

Títeres Panelín debe su nombre a las deliciosas panelas de San Joaquín, siendo estas el bizcocho tradicional del centro del país y emblema de nuestro municipio.

Desde sus inicios han llevado a cabo el proyecto “Los títeres van a la escuela”, realizando temporadas estables en escuelas públicas y privadas, dentro y fuera del municipio. Desde ese entonces han recibido talleres de profesionalización con destacados maestros titiriteros, entre los que destacan Eduardo Di Mauro, Israel Morillo, Héctor Di Mauro, Sonia González, Daniel Di Mauro, Laura de Rokha, entre otros, especializándose en la técnica del títere de guante y asumiendo otras técnicas como varilla, moppets, marottes, con el pasar de los años. Además, imparten talleres de elaboración, manipulación y puesta en escena para niños, jóvenes, adultos, estudiantes y docentes de las diferentes escuelas y organismos culturales, dentro y fuera del estado.

En su haber como titiriteros han realizado varias giras y han participado en diferentes festivales nacionales e internacionales; organizan también muestras, encuentros y festivales de títeres, entre los que cabe resaltar la Muestra nacional de Títeres “Titiritadas”, que ya llegó a su tercera edición, y el Primer Festival escolar de títeres de San Joaquín, siendo una de las agrupaciones más sólidas del país.

Para conocer más de esta agrupación venezolana, visite su página web: http://es.geocities.com/titeres_panelin/

TÍTERES Y TEATRO GARABATOSH-K arriba a dos años como embajadora cultural

Hasta la fecha la compañía dirigida por venezolanos radicada en el archipiélago Canario lleva 250 funciones documentadas, con un público
aproximado de 30.000 espectadores.

El primero de septiembre del 2003 Títeres y Teatro Garabatosh-k se presentó ante la comunidad de Roque Negro en el municipio de Sta.
Cruz de Tenerife, España; y desde entonces no ha parado de entretener a los niños de Canarias, habiéndose presentado en más de 30 barrios
de todo Tenerife, más de 150 colegios han disfrutado de sus espectáculos, sin mencionar bibliotecas e instituciones públicas y
privadas que han manifestado su agrado por el trabajo realizado por Títeres y Teatro Garabatosh-k.

Esta embajadora cultural venezolana que cumple dos años de actividad ininterrumpida, en la actualidad se dedica a montar y representar
obras de teatro de títeres, así como cuenta cuentos, con historias de la literatura universal. Desde el inicio de sus actividades la
compañía se ha caracterizado por incluir en sus montajes obras de autores venezolanos, como es el caso de Aquiles Nazoa; con obras
dirigidas íntegramente a niños y jóvenes, tratando de representar historias divertidas, sencillas y de gran contenido ético, y
musicalizadas de tal manera que atraigan la atención del público a quien va dirigido.

12 producciones

Los artistas de Títeres y Teatro Garabatosh-k llevan doce producciones en dos año, entre las que podemos mencionar los cuenta
cuentos Hansel y Gretel, El Flautista de Hamelín, Dácil, Princesa de Taoro, El príncipe soñador, La ratoncita presumida
y Otro Cuento de Navidad. Así como las obras de teatro de títeres Ratoncillo pide a su novia, El pastel y la tarta, El
burro y su lecherita, El libro que nadie escribió, Salvemos la Navidad, Sancho Panza y el de la Mancha y Que viva el verano;
hablan por sÍ solas de la dedicación y el amor por el trabajo que mantienen los artistas de esta compañía.

El inicio de la aventura, los directores:

Elisa González, dio sus primeros pasos en las tablas de la mano de José Guapuriche, director del grupo: Teatro Infantil Cáscaras en
Guarenas, y luego con José León, director de Títeres Monigote y fundador del Teatro Infantil Nacional (TIN), con quien se inició en
el mundo de los títeres. Asistió a diferentes festivales de ámbito nacional e internacional, entre los que se destacan: Festival de
Teatro Popular Ateneo de Macapo, estado Cojedes, 1992; VII Festival Nacional de Teatro Infantil Nacional (TIN), Caracas, 1993; XVIII
Festival Internacional de Teatro de Oriente y los 5 Continentes, Puerto de la Cruz, 1993; Encuentro Teatral de las Comunidades Mirandinas en su I y V edición, estado Miranda 1993 y 1997.

Mientras que Roger Vargas, inicia su vida escénica en 1986 junto a Paco Azcona, quien es el pionero del teatro estudiantil en la ciudad
de Guarenas, estado Miranda. Este, maestro de vocación y excelente director escénico siembra las bases estructurales de la carrera
artística que luego desarrolla el joven actor quien en 1991 forma parte de la Compañía de Teatro La Comedía, dirigida por Andrés
Magdaleno y Natalia Silva, en donde trabaja en obras del Ciclo de Oro español. Ese mismo año pasa a la escuela de Artes Escénicas César
Rengifo y luego forma parte del elenco de Arte de Venezuela, dirigido por Levy Rossell, integrándose después a la Cátedra Popular de Teatro
Horacio Peterson, de Fundarte.

A partir de ese año se dedica a su trabajo como diseñador gráfico y redactor cultural en el diario La Voz, hasta que en 1997 se integra
al equipo de producción del V Encuentro Teatral de las Comunidades Mirandinas; es allí donde conoce a Elisa con quien se une sentimental
y profesionalmente, y en 1998 producen juntos el I Taller Montaje: El Sueño de Hacer Teatro, llevando a escena con éxito, la obra: El sueño de las tortugas, del autor venezolano Pedro Riera. Juntos fundan el Ateneo Ciudad Cultural Casarapa. En el año 2001 producen el I Taller Montaje de Teatro para Niños, creando el grupo de teatro Tramoyines, integrado por diez niños que llevaron a escena el musical: Godspell
del autor norteamericano John Michael Tebelak; y la obra Hola Público y el musical venezolano Lo mío me lo dejan en la olla, ambas del autor venezolano Levy Rossell Daal. En el 2002 organizan la I Cátedra Magistral de Interpretación Actoral, dictada por el dramaturgo y
director teatral Levy Rossell Daal; y es en noviembre de ese mismo año cuando presentan con gran aceptación, en el teatro Municipal
Armando Urbina de Guarenas, la obra Caracas, urgente, con la que se despiden de su tierra natal para, unos días después, cruzar las fronteras, más allá del Océano Atlántico, hasta llegar a las islas Canarias.

TÍTERES Y MAGIA EN EL PROGRAMA DE LA 25ª FIRA

Fuente: Fira de Teatre

El certamen contará con una oferta muy amplia de estos géneros.

La Fira de Teatre llega a su 25ª edición con una amplia oferta de espectáculos de títeres y magia para pequeños y mayores y con la presencia, además, de compañías que ya hace años que participan en el certamen como Marduix, el Centre de Titelles de Lleida o Los Titiriteros de Binéfar.

Marduix ofrecerá al público de Tàrrega un triplete de espectáculos en la plaza dels Àlbers: Estudis per a un autoretrat y los montajes de títeres La paraula de cent països y Auca d’Ester sense H.

Por su lado, el Centre de Titelles de Lleida vuelve a Tàrrega con Peter Pan, una versión en títeres de este clásico que se podrá ver en el Espacio Ara Lleida-Ara Teatre que patrocina la Diputació de Lleida.

También cabe destacar a Los Titiriteros de Binéfar/Centro Dramático de Aragón, compañía habitual de Tàrrega que participa en esta edición con el espectáculo El hombre cigüeña.

Además de estas formaciones, la Fira presenta este año Trompicallo y Periferia Teatro, dos compañías que se estrenan en Tàrrega con los espectáculos Nadarín y Pocosueño respectivamente, ambos dirigidos a los más pequeños y cargados de aventuras y diversión.

Los catalanes Farrés Brothers, con El rei de casa, ofrecerán al público más joven de la Fira una alegoría de la lucha por el poder en clave de humor.

Completan esta oferta, Galiot Teatre con otro clásico de los cuentos infantiles, Pinotxo; Xip Xap y sus Músics de Bremen; Sim Salabim adaptando un cuento de los Grimm, El Zapatero y el Duende y, en el Espacio Foment, Trukitrek con un espectáculo para toda la familia, “Jukebox. La caja enana.

Noches con magia

Por otro lado, las noches del sábado y el domingo las llenaran de magia Teia Moner, Enric Magoo i la Associació de Mags i Il•lusionistes de Lleida.

Teia Moner, artista con una dilatada carrera profesional y también veterana de la Fira, presenta Minimal Magic, un espectáculo cálido y delicado dirigido esta vez al público adulto. Magia, objetos y títeres para parodiar una de las artes mas antiguas.

Enric Magoo amenizará la velada del sábado en la plaza de los Comediants con Màgia de Mags, un espectáculo para todos los públicos que recorre las diferentes ramas del ilusionismo mediante la combinación de trucos clásicos, juegos visuales y la interacción con el público.

Finalmente, la Associació de Mags i Il•lusionistes de Lleida participa por primera vez en este certamen con un espectáculo de entretenimiento y magia para todos los públicos titulado Màgia de Mags.

Además de estos géneros, en la Fira de este año también se podrán ver espectáculos de clown, circo, teatro de texto, teatro visual, danza... a cargo de más de 80 compañías diferentes.

Fuente: Servei de premsa FTT

TEATRO ELFO

En enero de 1981 nace en Madrid, el laboratorio de teatro ELFO, que centra todo su esfuerzo en la búsqueda de una metodología propia que resuelva los problemas actorales.

Alfonso Romera Fornovi, director y fundador de Elfo teatro, afirma que esta agrupación ha tratado de plantearse siempre, desde la sinceridad más absoluta, cuáles son sus verdaderas capacidades y de dónde nacen sus propias deficiencias.

Para conocer más de este colectivo teatral, aconsejamos ir directamente a su página web:
http://www.elfoteatro.com/

EL CABALLERO VACILANTE, LA ESPADA Y EL DRAGÓN

El retorno de los pupi de La Boca
Por: Rafael Curci
Fuente: Teatro San Martín

Los pupi conforman el teatro de títeres de Italia meridional, y su origen se remonta a las primeras décadas del siglo XIX. Tuvo dos epicentros localizados en la isla de Sicilia: uno en Catania y el otro en Palermo, dando lugar a dos escuelas que se diferencian, entre otras cosas, por la tipología de los pupi (tamaño, peso, manipulación, mecanismos), y por distintos aspectos de la representación.

Antiguamente, los espectáculos se ofrecían por episodios --un acto por noche--, en series que duraban muchos meses y que se hacían en los barrios más humildes. Los espectadores eran casi exclusivamente hombres, y seguían las historias participando de ellas con emoción. La obra de los pupi representan principalmente historias de caballería que tienen como protagonistas a Orlando, Rinaldo y a los Paladines de Francia; este repertorio se conoce como ciclos carolingios, donde se presentan las hazañas del emperador Carlomagno y las diversas contiendas que entabla con las tropas sarracenas por el dominio de España.

Los pupi sicilianos arribaron a Buenos Aires a principios del siglo pasado y se instalaron en el barrio de La Boca. Fue mediante el esfuerzo de dos familias de titiriteros que se montaron pequeños teatritos para llevar a escena sus hazañas. Pero a las distintas penurias económicas que ponían en peligro constante la continuidad de estas salas se sumó la gran inundación de 1940. Así fue que los viejos titiriteros perdieron sus títeres y su teatro para instalarse, un tiempo después, en un pequeño local donde vendieron cigarrillos como único modo de subsistencia. Y allí murieron, pobres y olvidados.

La idea que impulsó este proyecto fue la de rescatar el arte de los pupi tal cual quedó detenido hace medio siglo atrás para recrearlos, trayéndolos de vuelta al presente mediante la puesta en escena de El Caballero Vacilante, una obra escrita en dos cuadros, tal como es costumbre en este género. A través de un minucioso y detallado trabajo de investigación, pudimos determinar el modo de construcción y manipulación de estos títeres al tiempo que, día a día, mediante la práctica escénica, intentamos rescatar el “anima” perdida, esa especie de espíritu esencial que se necesita para animar estos títeres. Sin apartarnos de los modelos originales y respetando en la reconstrucción las distintas particularidades del género (personajes, vestuario, armaduras, telones, espacio escénico), los pupi fueron tomando forma gracias al trabajo mancomunado de titiriteros y realizadores, sumado al de los distintos talleres del Teatro San Martín.

Hoy podemos decir que el fruto de nuestros esfuerzos se ve también colmados por la satisfacción de haber podido recobrar parte del acervo cultural del barrio al reinstalar en el Teatro de la Ribera esta singular tradición titiritera, que fue propia y exclusiva de La Boca. Por todo esto --y por una cuestión de equidad--, deseamos que este acontecimiento sirva también como sincero homenaje a aquellos titiriteros pioneros, Don Bastián Terranova y Carolina Ligotti de Palermo, y Vito Cantone y Nazarena Crimi de Catania, cuyos denodados esfuerzos sirvieron para asentar las bases del arte de los títeres en Argentina.

En unos instantes el telón se levantará de la misma manera que casi un siglo atrás, para dar paso a las aventuras de Orlando, Carlomagno y el Caballero Vacilante, quienes intentarán conquistar un espacio en el corazón del público de todas las edades. Porque, como es sabido, la magia y la fascinación no andan por las butacas pidiendo documentos. Y, por supuesto, como valerosos paladines e insignes caballeros, buscarán salir airosos de la batalla contra la desazón y el olvido como lo hicieron siempre, sin golpes bajos, sin renuncias ni injusticias, a puro encanto.

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Teatro: El Caballero Vacilante, la espada y el dragón
LOS NIÑOS REVIVEN LA FASCINANTE MAGIA DE LOS PUPI
Por: Nora Lía Sormani
Fuente: Imaginaria

Muy lejos de la banalidad de los espectáculos infantiles de moda, y lejos también de la calle Corrientes, se presenta El Caballero Vacilante, la espada y el dragón, escrita y dirigida por Rafael Curci. Ir a ver este espectáculo es un paseo muy especial. Significa llevar a los chicos al barrio de La Boca —con sus pintorescas callecitas— y, a la vez, invitarlos a participar de un viaje en el tiempo (fines del siglo XIX y principios del XX) para ponerlos en contacto con el arte de los títeres del barrio: los pupi.

La tradición de estos títeres (especie de marionetas manipuladas desde arriba por los titiriteros) proviene de Sicilia, Italia, y tuvo dos grandes corrientes: la de Palermo y la de Catania. Los inmigrantes titiriteros se instalaron en el barrio de La Boca. Vito Cantone y su familia fundó el "Teatro de Sicilia", que quedaba en la calle Necochea 1339 y Sebastián Terranova y su mujer, el "Teatro San Carlino" —ubicado en la calle Olavarría entre Palos y Del Crucero—.

El maestro Javier Villafañe fue uno de los artistas que asistía a estas representaciones (junto con Juan de Dios Filiberto, Benito Quinquela Martín y Raúl González Tuñón) y según sus propias declaraciones, gracias a esas funciones "comenzó a amar a los títeres". Quienes vayan a ver El Caballero Vacilante... encontrarán esta información y muchos datos más en grandes paneles situados en el hall del Teatro de la Ribera.

Al igual que en otras épocas, la obra cuenta una saga caballeresca en dos actos y está inspirada en el Orlando furioso de Ariosto. Carlomagno y sus tropas franco-cristianas, arrasan con los sarracenos hasta que Yasid, el jefe de las huestes paganas, descubre que puede debilitarlo quitándole su famosa espada. Recurre a la bruja Morgana y a sus hechizos. Pero, finalmente, es el Caballero Vacilante quien rescata para Carlomagno su reliquia y le devuelve el poder.

El Caballero es un antihéroe que no sólo lleva adelante la acción, sino que también le imprime humor y ternura a la obra. Su nombre se debe a que pone en tela de juicio todas sus decisiones y está rodeado de incertidumbres y dudas. Si bien está poblada de muchos otros personajes muy particulares, la historia es sencilla y clara y busca entretener sin confundir al pequeño espectador.

Es de destacar el diseño de los títeres, en especial el del viejo y cansado dragón Dragoberto. También llaman la atención los telones de fondo, ilustrados con colores fuertes y que recrean los paisajes y escenarios de las escenas. Sólo un elenco tan sólido como el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín podía dar vida a estos muñecos de manera tan impecable. Sus movimientos y sus voces para narrar son únicos en la Argentina. Gracias a su talento trasladan inmediatamente a la platea el espíritu de la batalla y de los pupi.

Además de la musicalización de las escenas, las acciones de los títeres tienen su propio sonido, que se produce por el choque de las espadas en los escudos de los personajes y el roce de las alitas del hada Liduvina, manipulada con excelencia por Alejandra Castillo. La escena de la navegación del Caballero Vacilante en un mar hechizado por Morgana es una de las más bellas de toda la historia del teatro para niños en la Argentina. Imperdible.

Ficha Técnica
El Caballero Vacilante, la espada y el dragón
Dramaturgia y Dirección: Rafael Curci.
Elenco: Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín: Tito Loréfice, Daniel Spinelli, Carlos Almeida, Hernesto Mussano, María Ibarra, Román Lamas y Alejandra Castillo.
Diseño de títeres y armaduras: Alejandra Farley, Rafael Curci, Ignatz Ratskiwatsi, Juan Benbassat, Talleres de Escultura, Pintura, Artesanía y Utilería del CTBA.
Escenografía y tallado de manos y cabezas: Walter Lamas y Taller de Escultura del CTBA.
Musicalización: Gustavo "Popi" Spatocco.
Teatro de la Ribera del Complejo Teatral de Buenos Aires (Avda. Pedro de Mendoza 1821).

ENCUENTRO TEVEO, 2005 : MIRANDO A ALEMANIA

Fuente: Asociación TeVeo

¿Cómo abarcar en un par de sesiones la enorme y poliédrica realidad y densidad del teatro infantil moderno alemán, con 35 años de experiencias, cientos de compañías y teatros y unas posibilidades económicas docenas de veces más elevadas que las que se manejan en España? Hay que aclarar lo de ” teatro infantil moderno” ya que los orígenes del teatro infantil alemán se remontan a la Alemania Oriental de 1.945. Los números abruman. Veinte editoriales apoyan los textos del centenar de escritores especializados en menores. Alemania puede presumir de haber reunido en la larga historia de su teatro para niños y jóvenes más de 2.500 obras.

Cada año se ponen en escena 700 nuevos montajes, en un sector que da trabajo a cerca de 5.000 personas. En España, probablemente, ni con la suma de toda la gran familia teatral se pueden manejar estas cifras. En definitiva, un teatro que «se mide por el mismo rasero que el resto, en el que se gasta dinero y se le exigen resultados», como aclararía después de forma muy gráfica el director de Programas Culturales del Instituto Goethe, Wolfger Pöhlmann. Por eso, estos dos días de encuentro dieron para apreciar el abismo que nos separa. Casi se abrieron más interrogantes que respuestas. Al menos, también valieron a los representantes de compañías españoles que intercambiaron experiencias con las germanas para constatar que algunos postulados que mueven al sector no suenan extraños, por no decir que no dejan de ser escenarios comunes de la escena teatral internacional.

En resumen, los VII Encuentros Te Veo trataron de quitar algunas sombras a otro espacio del mapa teatral desconocido. Las luces sobre la realidad de Alemania se sumaron así a las de países analizados en años anteriores: Reino Unido, Francia, Bélgica e Italia. La presencia además de tres espectáculos teutones permitieron ver cómo se traducen esos postulados sobre el escenario. La Alemania institucional Este 'Mirando a Alemania' se estructuró en dos jornadas muy diferentes.

La primera estuvo marcada por los puntos de vista de responsables institucionales del teatro y la cultura tanto alemana como española. En la segunda, más emotiva, dos compañías como la histórica Grips Theater de Berlín y el Theaterhuas de Frankfurt, explicaron los procesos creativos que dan lugar a trabajos tan impactantes como “El gran cuaderno”, que ofreció el Theaterhaus el viernes 27 de mayo. Abrió el fuego Wolfger Pöhlmann, responsable de la selección de las tres obras de compañías alemanas que se pudieron ver en esta edición de Te Veo.

Como director de Programación Cultural en el Goethe (el “Instituto Cervantes” alemán) se ha lanzado en los últimos años a la promoción de su idioma a través del teatro, aunque Pöhlmann admite «la dificultad de promocionar el teatro si no se comprende el idioma». Wolfger, que hizo un somero repaso por una realidad que viene de muy atrás, (y que después amplificó su compañero de mesa Henning Fangauf) advirtió de entrada que «en España no hay la densidad alemana, aunque ahora con la crisis, los teatros tienen que justificar las inversiones teatrales y sus resultados». Frente al 'crescendo' español, que parte de muchas carencias, el responsable del Goethe avisó de la caída en picado del apoyo oficial en su país.

El turno fue después para Henning Fangauf, responsable de Cooperación Internacional de la Asociación de Teatro Infantil y Juvenil de Alemania (ASSITEJ), una institución que presume de reunir, en sus 150 teatros y compañías profesionales el 'quien es quien' de la escena del país. Apenas nada que ocurra sobre la materia deja de pasar por esta organización, que negocia directamente las ayudas con los 'lander' estatales (Alemania es el país más descentralizado de Europa) y los ayuntamientos. Fangauf comenzó recordando el larguísimo camino que ha recorrido el teatro germano hasta llegar a lo que es hoy. Desde la post-guerra mundial, las dos Alemanias (en especial la del Este) mantuvieron una actividad teatral de grupos, tanto públicos como independientes, que permitieron la eclosión de finales de los años 60, coincidiendo con el estallido social de mayo del 68. «Esta 'explosión' se fraguó en un ambiente que pensaba en crear un ciudadano consciente y educado para la realidad que llegaba, lo que dio lugar a un
teatro bipolar: político y estético a la vez», explicó en los preámbulos Henning Fangauf. Apoyado por un vídeo histórico con opiniones de los creadores de este movimiento, Henning recordó los orígenes de este teatro marcado por su carácter «realista, contemporáneo y emancipativo». Unos objetivos ambiciosos pero efectivos gracias a textos bien preparados, con colaboraciones de muchos frentes (incluido un pedagogo y un dramaturgo propios de cada compañía), ensayos muy largos y cuidados que justifican y demandan repertorios de larga duración.

Unos objetivos que han ayudado a crear otras estructuras como los cursos sobre Teatro, Educación, Dramaturgia, Redacción de Obras Teatrales y Ciencias Teatrales que ofrecen varias universidades. Los diez mandamientos. Fiel a la cualidad tan germánica de 'sistematizarlo' todo, el representante de ASSITEJ Alemania lanzó a los presentes el decálogo que ha permitido legitimarse al teatro para niños y jóvenes de su país:

1. El teatro infantil y juvenil debe ser tan bueno como el de adultos, solo que mejor.
2. El teatro infantil y juvenil hace sus funciones para un público de hoy, no de mañana.
3. El teatro infantil y juvenil debe ser arte para los niños.
4. El teatro infantil y juvenil debe tomar en serio a su público.
5. El teatro infantil y juvenil no debe ser demasiado simple, sino más exigente de lo que parece.
6. En el teatro infantil y juvenil se puede contar todo.
7. El teatro infantil y juvenil no debe ser la séptima hora de clase (en referencia a las actividades extra escolares en Alemania).
8. El teatro infantil y juvenil debe hacer preguntas y no dar respuestas.
9. El teatro infantil y juvenil debe buscar el niño que llevamos dentro.
10. El teatro infantil y juvenil necesita más apoyo. ¿Es posible la cuarta pared en el teatro para niños? ¿Necesita el teatro un final feliz?...

Como observaron al finalizar la jornada todos los participantes españoles, el decálogo de ASSITEJ Alemania puede considerarse universal. ¿Quién no lo suscribiría?. Otra cosa son los caminos para cumplir con la mayor cantidad de puntos posibles. En esta línea, Henning Fangauf pidió un esfuerzo para reclamar las máximas ayudas al teatro para niños «siempre que esas subvenciones no lo conviertan en un 'teatro Disneylandia o Mc'Donalizado'. También invitó a evitar los finales fáciles, los finales felices. «Lo que los niños necesitan es un final en el que puedan llegar al 'interruptor y encender su luz'», dijo muy metafóricamente. Algo que lograrán si se identifican con algo: un tema, unos personajes. Este representante del teatro teutón finalizó reclamando los indisolubles lazos entre el teatro y el sistema educativo. A lo que también puede contribuir un clima amable con los niños, del que debe participar toda la sociedad: periodistas, escuelas de arte, padres... «Los países que tienen una cultura adecuada a los niños tienen un buen teatro infantil», concluyó Henning Fangauf.

Las 'modestas' similitudes españolas ¿Pueden encontrarse similitudes entre el teatro de un país como España que da, en su conjunto, diez veces menos ayudas globales que las que recibe un solo teatro como el Carrusel de Berlín? Pues sí, o al menos eso intentó el subdirector general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), Fernando Cerón, que cerró la primera sesión. «Estamos en la misma línea y defendemos el mismo decálogo a la hora de promocionar y apoyar proyectos teatrales», arrancó Cerón, que insistió en otra similitud: Alemania y sus 'lander' y España y sus autonomías, son los países más descentralizados de Europa. Otro cantar son las cifras en que se sustancia este marco de referencia. Apoyado en cuadros y gráficos, Fernando Cerón explicó que las ayudas se han duplicado desde 1999, cuando el INAEM subvencionó con 391.000 euros a 29 proyectos, hasta el 2004, año en el que 57 espectáculos recibieron 884.000 euros. Las caras de los representantes germanos lo decían todo. «¿Esto es en euros»?, pidió aclaraciones Wolfger Pöhlmann. Junto a él, Fangauf se estaba acordando de que, solo el Teatro Carrusel de la capital federal, recibe 4 millones de euros. «Y aún así, los grupos independientes están al límite de la supervivencia», aseguró. No es de extrañar que a la representación del país centroeuropeo le sorprendiera en esta jornada de trabajo que las compañías españolas sean capaces de levantar un proyecto con sus propios medios y después busquen ayuda oficial. «Es un camino problemático», concluyó Wolfger Pöhlmann. Antes de marcharse, el responsable de Cooperación Internacional de la Asociación de Teatro Infantil y Juvenil de Alemania (ASSITEJ) se lanzó a valorar las obras españolas que había visto durante su permanencia en Te Veo. «Se parece a Alemania -¿otra presunta similitud más? No he visto espectáculos pobres, y los actores demuestran una gran vitalidad, pero son maduros ¿Dónde esta la continuidad generacional?», se despidió Fangauf.

ALGUNOS DATOS DE ASSITEJ ALEMANIA
- 130 compañías profesionales, 60 con teatro propio, 70 itinerantes.
- Cinco millones de espectadores anuales y 700 estrenos cada año.
- 4.500 profesionales (actores, escritores, diseñadores, directores y demás artistas).
- El Centro Nacional de Teatro para Niños y Jóvenes de Alemania tiene relaciones con 70 países.

ACONTECIMIENTOS:
FESTIVAL DE TEATRO PARA NIÑOS Y JÓVENES EN BERLIN (OCTAVA EDICIÓN ESTE AÑO, CELEBRADA DEL 27 DE ABRIL AL 4 DE MAYO)

CONTACTOS:
Acceso a ASSITEJ Alemania, con más de 2.500 obras, publicaciones, actividades, festivales y encuentros en la
página web: www.kjtz.de
e-mail: [e-mail]

A PIE DE ESCENARIO
Dos de las tres compañías alemanas que exhibieron sus espectáculos en Zamora se sentaron con sus compañeros españoles para intercambiar experiencias y formas de enfrentarse a los escenarios y a la supervivencia profesional.

Todavía con el alma encogida por la impactante y descarnada puesta en escena del Theaterhaus ('El gran cuaderno'), sus actores Günther Henne y Uta Nawrath y su productora, Susanne Freiling, se sumaron al trío de integrantes del Grips Theater de Berlin (al día siguiente ponían en escena 'Lena en el desierto') formado por los actores Regine Seidler y Kenneth Phillips y su técnico Jerry Geiger. En medio, y como nexo de unión hispano-alemán, la experiencia del director argentino Marcelo Díaz, que suma más de 20 años de experiencia en el teatro germano-suizo (16 en Munich y 7 en Zurich).

Abrió el fuego, para hablar de ese cuarto de siglo de experiencias de un latino en Alemania. Marcelo Díaz, que situó el marco de lo que son proyectos públicos o privados:A-Públicos: Díaz remarcó las ideas ya expresadas el día anterior por los representantes alemanes y destacó la fuerte presencia del teatro público gracias al apoyo de las instituciones (ya sea el Estado, el lander -regiones- o los ayuntamientos). Marcelo recordó que una ciudad comoTubinga (con una población similar a Zamora, sede de los Encuentros Te Veo) maneja 3,5 millones de euros o un lander como Baden-Württemberg (su capital Mannheim tiene el tamaño de Valladolid, capital de Castilla y León) no baja de los 60 millones de euros anuales. B-Privados: A pesar de su apuesta empresarial, cuentan con un fuerte apoyo del Estado para producir espectáculos e incluso ayudas específicas para los que amplíen su elenco e incluyan una sección para niños. Por eso, se trata de un teatro que «al estar muy subvencionado se puede permitir riesgos y jugar con la producción», explicó.

En el apartado negativo, Marcelo Díaz destacó que las relaciones con los políticos «son difíciles, terribles y fuertes, aunque hay un respeto mutuo». Esta compleja relación se ha recrudecido en los últimos años debido al cuestionamiento del 'Estado Social' alemán y el recorte de sus ayudas. Esta evolución, ya apuntada en la primera sesión de 'Mirando a Alemania' «está poniendo en peligro la continuidad de teatros y subvenciones en el país», advirtió el director argentino. Entre las formas de trabajo que apuntó Díaz y después ayudaron a completar las compañías invitadas, llamó la atención la figura de los pedagogos teatrales. Cada compañía cuenta con un experto que hace las funciones de enlace y orientación con los colegios y los planteamientos que la comunidad escolar espera de cada compañía teatral. Tiempos de emancipación. A pesar de su juventud, Susanne Freiling, es la productora y distribuidora del Theaterhaus de Frankfurt (lander de Hesse). Esta compañía independiente es una institución en su ciudad. Por eso, en su arranque hizo un pequeño resumen del camino recorrido para llegar a la realidad teatral actual.

Como hiciera Henning Fangauf, se remontó a aquellos convulsivos años 70, «tiempo de emancipación del teatro independiente del estatal». Treinta años después, la unión de pequeños grupos con orígenes y expectativas diversas pero el sueño común de la supervivencia, ha permitido que las compañías privadas ocupen la mitad del espectro teatral de la República Federal para niños y jóvenes. Así, en el Theaterhaus, una entidad con teatro propio (lo que es muy habitual en el país), cohabita tres entidades profesionales (una de mimo, una infantil y otra juvenil). «Además colaboramos con otros grupos independientes para que estrenen sus trabajos en nuestra sala, ya que no tienen dónde hacerlo», explicó Sussane. Su sede, con apenas 90 butacas, se ha quedado pequeña y, aunque sueñan con conseguir un espacio nuevo, «no querríamos superar un aforo de 300 espectadores», plantea Sussane Freiling.Su aventura, comenzó dos años después de la reunificación alemana (1989), en la que mucha gente miró al Este para ver la poderosa 'musculatura' de un teatro público que servía como otra forma de hacer política. Después de tres años de asentamiento, comenzaron a hacer programación a partir de 1994. Pero la compañía, tal y como ahora se conoce, no se creó hasta el año 2000. «Aún así nacimos sin saber si tendríamos dinero suficiente», admitió Freiling.

En estos cinco años, han consolidado una estructura empresarial de cinco personas y han logrado realizar 14 producciones para todo tipo de edades. Su teatro, centrado en «desde niños hasta casi adultos», tiene como objetivo «volver a contar los mitos europeos con textos nuevos de jóvenes escritores». Theaterhaus recibe importantes ayudas del Ayuntamiento de Frankfurt y del Gobierno de Hesse. Pero, a cambio, las obligaciones son duras. Deben estrenar ¡cuatro producciones anuales! «El lander nos da dinero por cada nuevo proyecto, si no, no llegaríamos al final», admite Sussane, que reconoce que este ritmo está cerca de 'ahogar' a su compañía, en la que «preferiríamos que fueran dos o tres obras anuales». Un ejemplo: el impactante trabajo que se pudo ver en Zamora ('El gran cuaderno') necesitó nueve meses de trabajo. «Es el tiempo para que las cosas nazcan y maduren», insistió Freiling.

Su compañero, el actor Günther Henne, tercia en su monólogo para apuntar que las relaciones entre la política y el teatro «tienen que ver siempre con el dinero. Cuando éste se reduce, todo se convierte en un problema ideológico».Frente a la vida de carretera de las compañías españolas, con 'bolos' de una punta a la otra para tratar de mantener la supervivencia, la realidad alemana se concentra más en sus regiones o landers. Una compañía como Theaterhaus realizó 130 representaciones en el año 2004, de las que solo 30fueron compromisos fuera de su Estado de Hesse.

Un teatro siempre realista. El Grips Theater de Berlin es uno de los 'hermanos mayores' de la escena alemana. Tiene un lugar principal en su historia desde hace 35 años cuando surgió el Cabaret del Reino (del Reich). Su realidad, en frías cifras, también son palabras mayores: 20 actores, tres pedagogos teatrales, una plantilla de 60 personas, dos escenarios (uno de 100 espectadores, otro de 400). Frente a la maquinaria de estrenos en que se han convertido otras compañías para 'llegar' a las ayudas, Grips intenta dejar su listón en un estreno absoluto al año y tres o cuatro adaptaciones. «También hay mucha gente que lee textos y propone. Y nosotros lo aceptamos siempre que hable a los niños de lo que les interesa y sea realista. No nos gusta hablar de historias de animalitos. Nos interesa sobre todo el realismo social más que los cuentos, los mitos o la fantasía», ironizó su actor Regine Seidler protagonista de 'Lena en el desierto', la obra que se pudo ver en TeVeo) La contundencia de los objetivos de estas compañías, su insistencia en el teatro 'realista', que hable 'de lo que pase en la calle', impactó en la audiencia española. «Nosotros hacemos teatro para niños, no arte, el problema es que muchos actores quieren hacer arte», apuntilló Kenneth Phillips, el otro actor de Grips Theater que secundó a Regine en la ponencia.

Las compañías infantiles más respetadas en el país lo han logrado en parte por su apuesta por un teatro de oposición a los planteamientos almibarados que llegaban desde otros frentes. «No nos interesan los niños como consumidores a los que se dice qué tienen que consumir. Hay que tratar su realidad», insistieron una y otra vez los invitados de Theaterhaus y Grips Theater.Esta compañía berlinesa se ve a sí misma como parte del 'Sector Servicios' de la ciudad. «Vamos directamente a las escuelas y les preguntamos qué es lo que les interesa. Y lo planteamos desde ese punto de vista, no el del artista. La clave siempre es no aburrir. Si esto ocurre, cambios de obra», explicaron 'al alimón' Regine y Kenneth.

Un objetivo tan directo sólo es posible con el papel 'bisagra' del pedagogo. Esta profesión, incluida en el organigrama educativo de la enseñanza superior, es el comodín que permite a las compañías no perder el hilo de la realidad escolar. «Hay siempre varios pases antes del estreno. La obra se va adaptando en función de la respuesta de los niños. Hasta el punto de que se llega al 'no estreno' si la reacción de ese público es negativa», aseguraron. Con una media de 40 funciones al mes, la maquinaria de Grips Theater está al límite de su capacidad y solo el intercambio de actores, que rotan en la misma obra, hace posible la continuidad. Pero, aparte de los fondos públicos ¿cuánto aportan los espectadores para soportar toda esta estructura?

Otra de las sorpresas fue que los precios en Alemania son incluso inferiores a los españoles. Ya advirtió en la primera sesión Henning Fangauf que «una entrada de teatro no puede ser más cara que la del cine». Por eso, los precios de las entradas de teatro para jóvenes en Alemania oscilan entre los 4 o 5 euros que pagan los niños, a los 8 euros de media que pagan sus padres, aunque entidades como Theaterhaus cobran «lo que pueden pedir a su público». Cifras que dan más valor a las ayudas oficiales en un país que carece de las campañas teatrales que sí existen en España y ayudan a muchas compañías a salir adelante. Los patrocinadores privados (sobre todo las fundaciones) son el último pilar que inyecta algunas ayudas para que esa locomotora humana, económica y, como se ha visto cultural (desde la más tierna infancia), que es Alemania siga adelante, aunque en el futuro de su teatro se proyecten túneles con escasa visibilidad y sin saber qué se encontrarán a la salida.

VI Festival de Teatro Infantil EDUCARTE 2005, Costa Rica

Con la participación de los grupos:

Diquis Tiquis, Cucaramácara, Juan Cuentacuentos y la Pequeña Banda, Compañía Nacional de Danza, Producciones Lunanegra, Compañía Juvenil Giratablas, Simona Apollaro con su personaje Pancita la Ratita Cuentacuentos, Contraluz, Ticotíteres, La Fanfarria (de Colombia) y Guachipilín (de Nicaragua)

Todos los sábados y domingos de septiembre

En el Teatro de la Danza (antiguo Teatro Fanal) los domingos a las 11:00 a.m. y en el Teatro Popular Melico Salazar los sábados y domingos a las 3:00 p.m.

Para ampliar la información, visita la página web del:
Teatro Popular Melico Salazar

CERTAMEN MAYOR DE LAS ARTES Y LAS LETRAS 2005

CAPÍTULO TEATRO
MODALIDAD TEATRO DE MUÑECOS
Categoría Aficionado y Profesional
PROGRAMACIÓN
FINAL NACIONAL

Del 30 de agosto al 2 de septiembre de 2005

MARTES 30 DE AGOSTO
Teatro César Rengifo (Funciones Oficiales con Jurado)
Final de aficionados
Hora: 10:00 am.
Grupos:
-La Tarasca (Carabobo)
-Teatro Castillo Fantástico (Monagas)
-Los trompitos de Borotá (Táchira)
Hora: 03:00 pm.
Grupos:
-Titirimundi (Barinas)
-Teatro Universitario - TELUZ (Zulia)

MIÉRCOLES 31 DE AGOSTO
Teatro César Rengifo
Final de profesionales
Hora: 10:00 am.
Grupo: Títeres Kinimari (Táchira)
Hora: 03:00 pm.
Grupo: El zapato andariego (Monagas)

CELARG - Sala 2
Hora: 10:00 am.
Grupo: Timón - Garúa de Sueños (Lara)

Casa del Artista - Sala Doris Wells
Hora: 10:00 am.
Grupo: Eos (Distrito Capital)

Teatro San Martín
Hora: 10:00 am.
Grupos:
-La Tarasca (Carabobo)
-Teatro Castillo Fantástico (Monagas)

JUEVES 01 DE SEPTIEMBRE
Teatro César Rengifo
Final de profesionales
Hora: 10:00 am.
Grupo: Teatro Quijotillo (Sucre)
Hora: 03:00 pm.
Grupo: EOS (Distrito Capital)

CELARG - Sala 2
Hora: 10:00 am.
Grupo: Títeres Kinimari (Táchira)

Casa del Artista - Sala Doris Wells
Hora: 10:00 am.
Grupos:
-La Tarasca (Carabobo)
-Teatro Universitario -TELUZ (Zulia)

Teatro San Martín
Hora: 10:00 am.
Grupos:
-Titirimundi (Barinas)
-Los trompitos de Borotá (Táchira)

VIERNES 02 DE SEPTIEMBRE
Teatro César Rengifo
Final de profesionales
Hora: 10:00 am.
Grupo: Timón - Garúa de Sueños (Lara)
Hora. 03:00 pm.
Grupo: TEMPO (Portuguesa)

CELARG - Sala 2
Hora: 10:00 am.
Grupo: Eos (Distrito Capital)

Casa del Artista - Sala Doris Wells
Hora: 10:00 am.
Grupo: El zapato andariego (Monagas)

Teatro San Martín
Hora: 10:00 am.
Grupo: Quijotillo (Sucre)

VI FESTIVAL DE TEATRO PARA LOS VECINOS, 2005

PROGRAMACIÓN

JUEVES 18
5:00 pm.
- Desfile inaugural.
- Participantes: Juntas de vecinos, Altuequi (Carabobo), Kirie (Delta Amacuro), Máximo y sus muñecos (Falcón), Charlott (Zulia), Teatro Bengala (Anaco) y Grupo Experimental Tamare.

7:00 pm.
Acto Protocolar: Homenaje a Humberto Rivas y Lilo Farías

VIERNES 19
Grupo: Altuequi
Lugar: Sector Viento Fresco
Hora: 10:00 am.

Solista: Máximo y sus muñecos
Lugar: Sector San Venancio
Hora: 10:00 am.

Grupo: Kirie
Lugar: Sector El Mirador
Hora: 10:00 am.

Grupo: Charlot
Lugar: Sector El Guario
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Kirie
Lugar: Sector La Candelaria
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Altuequi
Lugar: Urb. Puerto Colón
Hora: 5:00 pm.

SÁBADO 20
Solista: Míster Mimo
lugar: Sector El Bolsillo
Hora: 10:00 am.

Grupo: Kirie
Lugar: Barrio libertador
Hora: 10:00 am.

Grupo: La Puerta
Lugar: San José Trilla
Hora: 10:00 am.

Grupo: Altuequi
Lugar: Chiguacara II
Hora. 5:00 pm.

Grupo: La Puerta
Lugar: Sector Las Brisas
Hora: 5:00 pm.

Solista: Máximo y sus muñecos
Lugar: Sector Ruiz Pineda
Hora: 5:00 pm.

DOMINGO 21
Grupo: Títeres La Pareja
Lugar: Sector Alto Apure
Hora: 5:00 pm.

Solista: Míster Mimo
Lugar: INAVI II
Hora: 10:00 am.

Grupo: La Barraca
Lugar: Plaza Bolívar de Cantaura
Hora: 6:30 pm.

LUNES 22
Grupo: Tkanela
Lugar: Sector Mercado Viejo
Hora: 5:00 pm.

Grupo: T.T. César Rengifo
Lugar: Sector Chiguacara I
Hora: 5:00 pm.

Solista: Míster Mimo
Lugar: Sector El Guayana
Hora: 10:00 am.

Grupo: Títeres La Pareja
Lugar: Sector 5
Hora: 5:00 pm.

MARTES 23
Grupo: Circomedia
Lugar: Barrio El Granadillo
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Gota Dulce
Lugar: Andrés Eloy Blanco
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Tkanela
Lugar: Barrio Las Malvinas
Hora: 5:00 pm.

MIÉRCOLES 24
Grupo: Circomedia
Lugar: Sector Valle Lindo
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Barinés de Muñecos
Lugar: Barrio 23 de enero
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Gota Dulce
Lugar: Urb. INAVI I
Hora: 7:00 pm.

JUEVES 25
Grupo: Títeres Papagayo
Lugar: Banco Obrero
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Barinés de Muñecos
Lugar: Sector Andrés Bello
Hora: 5:00 pm.

Grupo: La Maleta Mágica
Lugar: Simón Bolívar
Hora: 10:00 am.

VIERNES 26
Grupo: Títeres Papagayo
Lugar: Sector La Montañita
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Barinés de Muñecos
Lugar: Sector Las Kariñitas
Hora: 5:00 pm.

Grupo: La Maleta Mágica
Lugar: Sector La Trilla
Hora: 5:00 pm.

SÁBADO 27
Grupo: Tabla Abierta
Lugar: Guevara Rojas
Hora: 10:00 am.

Grupo: TACAMAT
Lugar: Cancha INAVI II
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Títeres papagayo
Lugar: Ruiz Pineda
Hora: 10:00 am.

Grupo: Tabla Abierta
Lugar: Calle Miranda
Hora: 5:00 pm.

Grupo: Títeres Panelín
Lugar: Cantaurita
Hora: 10:00 am.

DOMINGO 28
Grupo: Tabla Abierta
Lugar: Ezequiel Zamora
Hora: 10:00 am.

Grupo: TECAMAT
Lugar: Plaza Bolívar
Hora: 5:00 pm.

PROGRAMA ESPECIAL
Grupo: Atana teatro
Lugar: teatro Cajigal
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Atana Teatro
Lugar: Auditorium Alcaldía
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Mudanza
Lugar: Plaza Rolando Barcelona
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Charlot Teatro de Muñecos
Lugar: Centro de Orientación Cultural
Hora: 10:00 pm.

Grupo: La Barraca
Lugar: Plaza de las Banderas
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Entretelones
Lugar: Plaza 1° de mayo
Hora: 7:00 pm.

Grupo: Locombia (Brasil-Colombia)
Lugar: Boulevard Fray Nicolás de Odena
Hora: 6:00 pm.

Grupo: Títeres Tin Marín
Lugar: Plaza 1° de mayo
Hora: 6:00 pm.

Grupo: Cometa de Cantaura
Lugar: Auditorium Alcaldía
Hora: 7:00 pm.

Grupo: C.F.A. "José I. Cabrujas"
Lugar: Centro de Orientación Cultural
Hora: 10:00 pm.

Grupo: Teatro Bengala
Lugar: Centro de Orientación Cultural
Hora: 9:00 pm.

Mero Mero Mosquetero al TEATRO ESCENA 8

Del 6 y hasta el 28 de agosto
Teatro Escena 8 en Las Mercedes
sábados y domingos a las 2:00 pm.

Regresan Los Tres Mosqueteros para sorprender a niños y adolescentes con una propuesta teatral única en Teatro Escena 8 durante el mes de agosto, con la comedia musical Mero, Mero. Mosquetero, producida por Benjamín Cohen, contando con la dirección de Gladys Prince y un talentoso equipo de jóvenes actores que han dado vida a la creación de Karin Valecillos, dramaturga y escritora de televisión.

Mero, Mero. Mosquetero, a beneficio de FUNDANA, se centra en las aventuras y desventuras de Los Tres Mosqueteros: Athos, Portos y Aramis quienes deben enfrentarse a la nueva Reina Sybille, quien con la ayuda del fiel Rastignac ha usurpado el trono del Rey Sol y lo han encerrado detrás de la Máscara de Hierro. Como no cuentan con D'Artagnan, deben buscar un suplente, y quién mejor que Alejandro Dumas para darles la solución: Eugenie Marie, inteligente, hábil, y soñadora, pero que para ellos tiene un solo defecto: Es Mujer.

Mero, Mero. Mosquetero es la aventura de Eugenie Marie para rescatar al Rey Luis XIV de la mano de tres héroes, que no poseen súper poderes, ni grandes artificios, pero tienen lo fundamental para alcanzar lo que quieren: valor. Athos, Portos y Aramis tendrán el reto de iniciar una batalla por la justicia al lado de Eugenie Marie, y demostrar que todos tenemos derecho a alcanzar nuestros sueños.

Talento juvenil sobre tablas
Mero, Mero. Mosquetero sorprende con un montaje extraordinario que reúne el talento de jóvenes actores y actrices quienes enriquecen al teatro venezolano bajo la dirección de Gladys Prince, actriz y fundadora del Grupo Actoral 80 y del Proyecto Azul. La obra está musicalizada por los grupos más destacados de la escena urbana como La Nueva Calle y Roxy. También cuenta con la participación especial de los locutores: Arturo de los Ríos y Zhandra de Abreu.

El elenco está compuesto por:
Pedro Rendón (Luis XIV)
Oscar Cabrera (Aramis)
Estefanía López y Abril Schreiber (Eugénie Marie)
Flavio León (Portos)
Carlitos Sánchez (Athos)
Jesús Carreño (Alejandro Dumas)
Omaira Abinadé y Carmen Salcedo (Reina Sybille) y
Giovanny García (Rastignac)

No se trata de un espectáculo juvenil. Mero, Mero. Mosquetero es una propuesta para abordar el teatro dirigido a niños y jóvenes desde su propio lenguaje, recuperando para ellos uno de los mayores tesoros de la Humanidad: La Literatura. Así que el montaje nos acerca a uno de los clásicos inmortales: Los Tres Mosqueteros, desde el juego, los duelos de espadas, los bailes, las canciones y las luces que traspasan las líneas del tiempo y el espacio, para llevarnos a un mundo de sueños e imaginación sin límites. Una oportunidad que ningún niño o joven puede perderse en este mes de vacaciones.

Contacto de Prensa:
Lic. Evelyn Navas
Teléfonos: [phone] Y [phone]
Correo-e: [e-mail]

Primer Certamen Nacional de TEATRO INFANTIL y JUVENIL - Guadalajara, MÉXICO

La Fundación Cultural Omnilife, en colaboración con la Universidad de Guadalajara (UdeG), la Secretaría de Cultura (SC) de Jalisco y Educare, convoca el primer Certamen Nacional de Teatro Infantil y Juvenil 2005-2006 y anima a todos los dramaturgos (de forma individual o colectiva) y grupos de teatro (con un máximo de 10 integrantes, incluidos el director, los actores y los técnicos) a participar en la convocatoria.
Organizado con el propósito principal de “impulsar la dramaturgia y el trabajo de los grupos de teatro” dentro del principio de Omnilife de “fomentar la creación artística en el país y su promoción en el resto del mundo”, este certamen contempla dos categorías: puesta en escena y dramaturgia. En el primer caso, la duración de los montajes concursantes deberá ser entre 50 y 70 minutos en el caso del apartado infantil y de 60 a 120 minutos en la disciplina juvenil. El costo de la producción no deberá exceder los 10 mil dólares (sin incluir promoción, difusión y sueldos de los integrantes del grupo teatral). Respecto a la categoría de dramaturgia, únicamente se aceptarán obras inéditas y originales en su totalidad, que sean creaciones del dramaturgo concursante.

El montaje ganador en la categoría de teatro infantil (obras dirigidas a niños entre tres y 11 años) dentro del apartado de puesta en escena será premiado con 10 mil dólares, la misma cantidad con la que estará dotada la representación vencedora en el capítulo de teatro para jóvenes (entre 12 y 18 años).
Las puestas en escenas ganadoras en las categorías de teatro para niños y teatro para jóvenes de dramaturgia recibirán dos mil 500 dólares.

Los interesados en participar en el primer Certamen Nacional de Teatro Infantil y Juvenil deberán presentar sus trabajos antes del 31 de octubre en la Fundación Cultural Omnilife (Madero 5850, esquina Hípico Jocotán, Verde Valle), de lunes a viernes, de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 18:00 horas.

De acuerdo con las bases de la convocatoria, el jurado responsable de la selección de las obras ganadoras estará integrado por reconocidas personalidades del ámbito teatral, así como por representantes de los convocantes.

Si durante el proceso de selección el grupo de teatro se desintegrara por cualquier motivo, la solicitud quedará cancelada de manera automática.
Los seleccionados serán notificados telefónicamente o a través de correo electrónico en el mes de febrero del próximo año.